Итоги 2010 года: антироссийские фильмы о войне

В год юбилея великой победы благодарная Родина выпустила 4 кинокартины, прямо оскорбляющие русский народ и память о Великой отечественной войне.

"Утомленные Солнцем 2 Предстояние" - это ИМХО худший фильм всех времен и народов.
Обычно плохой фильм - это значит недостаток чего-то. Недостаток оригинальности, таланта, сюжета и т.д. Но редко можно увидеть фильм плохой субстанциально. Дерьмовость этого фильма самодостаточна, имманентна и вопиюща. Когда я первый раз его смотрел, то постоянно как бы спрашивал себя: "Неужели это правда? Это мне не мерещится?" Удивительный фильм. Но этот фильм - приговор не только Михалкову, но всей современной системе. Явный контраст - каким был Н.Михалков в советское время, и во что он превратился в эпоху "свободной России".
Пересказывать перлы этого фильма нет смыла - все уже разобрано по косточкам.
Но КАК в нем показан русский народ? Не просто как быдло, которое взрывают на мосту, сжигают в сарае, обсирают с самолета. Русские показаны обезличенно, отчужденно. Они - туземцы, серая и тупая масса. Жалкие жертвы мясорубки. Их можно снисходительно пожалеть, как мы жалеем собаку, попавшую под автомобиль. Но нельзя им сочувствовать. Русские в фильме Михалкова показаны не в первом лице, а в третьем! Не - мы, а - они!

"Одна война" Веры Глаголевой. И апофеоз этого фильма, фрагмент, где женщина обращается к русскому солдату: "Защитить не сумели, так хоть жалеть научитесь". И тема, как раз к 65-летнему юбилею победы, - о женщинах, зачавших детей от немецких оккупантов.

"Край" Учителя. Очень содержательный фильм. Вероятно, наиболее откровенный в своей русофобии. На уровне "Восток - Запад". Здесь все очень четко: русские - это агрессивное быдло, преследующее "белых ворон" - нормальных, хороших людей. Хорошим людям не ужиться с этим поганым народом. Режиссер так прямолинеен, что мог бы всем актерам из массовки таблички на грудь повесить "Быдло". И только главный герой, мучающийся от невыносимости бытия в этом аду, находит, наконец, родственную душу. Естественно, иностранку, немку.
Фильм, несомненно, будет оценен на Западе.

Ну и "Поп" Хотиненко. Фильм насквозь фальшивый и продажный. Его заказной характер замаскирован совершенно неумело. Сразу понятно, что снят по заказу попов, работавших при немцах на оккупированной территории. И мы знаем их имена.
Особенно наивны попытки показать в фильме, что попы-дескать не сотрудничали с немцами и пытались по мере сил сдерживать их террор.
Очень хорошо в картине показан контраст между оккупацией и "овобождением" села советскими войсками. Фашисты относились к попу по-человечески и интеллигентно. И вот - пришли советские войска. Первое появление в кадре советского офицера - и он бьет доброго батюшку кулаком в лицо. Почувствуйте разницу. Вот такие "освободители".

Слава Богу, в 2010 году не появилось дерьмокартины, которая превзошла бы русофобию "Сволочей". Но по кучности откровенных русофобских фильмов 2010 год свой рекорд установил. Замечательный фильм "Брестская крепость" не перевешивает всего этого кошмара, а, напротив, оттеняет его.

---

Фильмы, повлиявшие на вас больше всего в этом году

В конце года принято подводить итоги. Я тоже решил заняться этим. Но среди фильмов, которые сильнее всего повлияли на меня в этом году, нет ни одного, который вышел в 2010-м. Поэтому данная заметка – попытка поделиться с читателями информацией о тех фильмах, которые дадут фору любым новинкам.

Призываю всех после прочтения этой заметки подумать: какие же фильмы повлияли на вас больше всего в этом году? Жду от вас 2-3 примера с парой слов о том, почему именно эти фильмы стали для вас «фильмами года».

А вот фильмы, которые впечатлили меня в этом году больше всего:

«Вальгалла: Сага о викинге»  («Вознесение в Вальгаллу», Valhalla Rising, 2009) – такой фильм я ждал очень долго.

Ставлю его в один ряд с моими самыми любимыми фильмами: «Конаном Варваром» и «Тринадцатым воином». В этом фильме есть все то, что зацепит и пробудет в настоящем мужчине истинный интерес. Среди моря сопливых фильмов последних лет «Сага о викинге» имеет все шансы поразить и обескуражить вас. Больше не скажу ни слова, так как хорошие фильмы не нуждаются в комментариях.

«Оправданная жестокость» (A History of Violence, 2005) в главной роли Вигго Мортенсен.

Наконец-то я встретил фильм, который срубил мне мозг!

 

Он уже давно был у меня на заметке, а из-за полного разочарования в современных криминальных картинах, я стал искать чего-то более глубокого! И нашел! В интернете про фильм множество разношерстных комментариев, но все же меня привлекли фразы «реалистичный», «стоит и качать-смотреть и оставить в коллекции». Я поверил. Что могу сказать, уже с самого начала, как я увидел имя режиссера - Дэвид Кроненберг – я сразу понял, не разочаруюсь! Так и оказалось – фильм жесток и реалистичен! Сцены насилия просто срубают мозг – вот это по настоящему.

Более того, в фильме использован удивительный прием. Всех нас уже тошнит от штампованного приема, когда главный герой через весь фильм добирается до главного злодея и надирает ему задницу. 80-е и 90-е уде позади, а херня на экранах продолжается. А вот мастер Кроненберг покажет вам иное: первый же засранец, которого вы увидите в фильме и будете готовы видеть его морду вплоть до конца фильма, сдохнет через 10 минут. Появится новая задница, еще круче и жестче, но не радуйтесь, ей тоже не долго жить. Поверьте, это не конец. Вам срубит мозг от того, что вы будете гадать: кто же будет следующим? Как можно придумать еще большего негодяя чем предыдущие? Фильм обязателен к просмотру.

 

«Жажда» (Bakjwi, 2009), если бы меня попросили назвать только один фильма года, я бы назвал именно этот. Лучшего про вампиров я не смотрел и уже не увижу. Если вас тошнит от «Сумерек», а «Интервью с вампиром» и «Дракула» приелись своей каноничностью, то я запрещаю вам проходить мимо «Жажды». Поверьте мне, этот фильм лучший в своем роде.

«Уолл-стрит 2: Деньги не спят», я бы не назвал фильмом года по многим причинам. Поэтому в этой категории, лично для меня, будет стоять фильм «Уолл-Стрит» (1987), который в очередной раз произвел во мне маленькую революцию, добавил мотивации и показал некий вектор развития. Значимость этого фильма для моей жизни невозможно недооценить.

Оригинальная статья опубликована в моем блоге "Денди из Гетто": Итоги года 2010

---

Итоги 2010 года: антироссийские фильмы о войне

В год юбилея великой победы благодарная Родина выпустила 4 кинокартины, прямо оскорбляющие русский народ и память о Великой отечественной войне.

"Утомленные Солнцем 2 Предстояние" - это ИМХО худший фильм всех времен и народов.
Обычно плохой фильм - это значит недостаток чего-то. Недостаток оригинальности, таланта, сюжета и т.д. Но редко можно увидеть фильм плохой субстанциально. Дерьмовость этого фильма самодостаточна, имманентна и вопиюща. Когда я первый раз его смотрел, то постоянно как бы спрашивал себя: "Неужели это правда? Это мне не мерещится?" Удивительный фильм. Но этот фильм - приговор не только Михалкову, но всей современной системе. Явный контраст - каким был Н.Михалков в советское время, и во что он превратился в эпоху "свободной России".
Пересказывать перлы этого фильма нет смыла - все уже разобрано по косточкам.
Но КАК в нем показан русский народ? Не просто как быдло, которое взрывают на мосту, сжигают в сарае, обсирают с самолета. Русские показаны обезличенно, отчужденно. Они - туземцы, серая и тупая масса. Жалкие жертвы мясорубки. Их можно снисходительно пожалеть, как мы жалеем собаку, попавшую под автомобиль. Но нельзя им сочувствовать. Русские в фильме Михалкова показаны не в первом лице, а в третьем! Не - мы, а - они!

"Одна война" Веры Глаголевой. И апофеоз этого фильма, фрагмент, где женщина обращается к русскому солдату: "Защитить не сумели, так хоть жалеть научитесь". И тема, как раз к 65-летнему юбилею победы, - о женщинах, зачавших детей от немецких оккупантов.

"Край" Учителя. Очень содержательный фильм. Вероятно, наиболее откровенный в своей русофобии. На уровне "Восток - Запад". Здесь все очень четко: русские - это агрессивное быдло, преследующее "белых ворон" - нормальных, хороших людей. Хорошим людям не ужиться с этим поганым народом. Режиссер так прямолинеен, что мог бы всем актерам из массовки таблички на грудь повесить "Быдло". И только главный герой, мучающийся от невыносимости бытия в этом аду, находит, наконец, родственную душу. Естественно, иностранку, немку.
Фильм, несомненно, будет оценен на Западе.

Ну и "Поп" Хотиненко. Фильм насквозь фальшивый и продажный. Его заказной характер замаскирован совершенно неумело. Сразу понятно, что снят по заказу попов, работавших при немцах на оккупированной территории. И мы знаем их имена.
Особенно наивны попытки показать в фильме, что попы-дескать не сотрудничали с немцами и пытались по мере сил сдерживать их террор.
Очень хорошо в картине показан контраст между оккупацией и "овобождением" села советскими войсками. Фашисты относились к попу по-человечески и интеллигентно. И вот - пришли советские войска. Первое появление в кадре советского офицера - и он бьет доброго батюшку кулаком в лицо. Почувствуйте разницу. Вот такие "освободители".

Слава Богу, в 2010 году не появилось дерьмокартины, которая превзошла бы русофобию "Сволочей". Но по кучности откровенных русофобских фильмов 2010 год свой рекорд установил. Замечательный фильм "Брестская крепость" не перевешивает всего этого кошмара, а, напротив, оттеняет его.

---

«Побег из Шоушенка»: иллюзорное избавление

«Побег из Шоушенка» - американский фильм 1994 года, который после своего появления был удостоен семи «Оскаров» и еще около десятка разных премий, но который и сейчас, 16 лет спустя, продолжает занимать первое место в самом известном кинематографическом рейтинге мира Internet Movie Database и его русском аналоге под названием КиноПоиск. Снятый режиссером Фрэнком Дарабонтом по повести Стивена Кинга, «Побег из Шоушенка» обгоняет такие всемирно известные картины как «Пролетая над гнездом кукушки», 1-ю и 2-ю части «Крестного отца», «Список Шиндлера», «Криминальное чтиво». Не уступил «Побег» даже совсем свеженькому «Началу» со всеми его спецэффектами.

Что же такого особенного в этом фильме?

Сюжет довольно прост: фильм описывает жизнь заключенных в, насколько я могу судить, типичной американской тюрьме, где не происходит ничего необычного. Как и везде, среди заключенных есть разные люди – сильные и слабые духом, конечно, есть издевательства и побои, местами – что-то похожее на дружбу; охранники, естественно, арестованных за людей не считают; директор, тоже вполне естественно, ворочает свои дела, пытаясь получить со своих «подопечных» максимальные доходы. Заключенные мечтают о свободе, но когда по истечению 40-50 лет тюремной жизни их как «перевоспитавшихся» выпускают, свобода оказывается им ни к чему, они не находят смысла существования в «свободном» мире, который, как несколько раз подчеркивается в фильме, вдруг оказывается «полным страха».

Однако, на эту картину накладывается история главного героя – молодого банкира Энди Дюфрейна, получившего 2 пожизненных заключения за убийство жены и ее любовника, которого он не совершал. Дюфрейн – необычный человек. Он никогда не сдается и не теряет самообладания, даже в тюрьме, где человеком быть вообще-то не положено, он остается им и заставляет признать в себе человека даже руководство тюрьмы. Вообще, анализируя фильм, понимаешь, что Дюфрейн – это чистый образ, идеал представления о человеке. В нем смешано все «лучшее», взятое из разных эпох – бросается в глаза, например, то, что он одновременно и по-аристократичному всесторонне образован, и по-капиталистичному профессионален. Наверное, сказывается то, что Стивен Кинг списал главного героя вместе с сюжетом с «Графа Монте-Кристо», добавив к нему некоторые черты идеала либеральной эпохи. Очевидно, другой, более целостный, герой просто не смог бы воплотить сюжет фильма. Итак, Дюфрейн благодаря своим высококлассным профессиональным умениям становится делопроизводителем самого директора тюрьмы, а после того, как директор убивает свидетеля, способного доказать невиновность Дюфрейна, тот убегает через дыру в стене камеры, которую он все 20 лет своего заключения долбил с помощью подаренного ему для его «хобби» – обработки камней – геологического молотка. Дюфрейн в деталях продумал свой побег, снял деньги со счетов директора тюрьмы и уехал в Мексику, где он мечтал поселиться на берегу океана, купить старую лодку, отремонтировать ее и возить на ней отдыхающих.

Так что Дюфрейн, в отличие от его друзей, не страдал на воле хандрой, он, как и в любой другой ситуации, проявлял себя как «идеальный» человек – у него всегда хватало оптимизма и сил бороться за свою мечту.

Образ Дюфрейна местами вдохновляет (особенно его поведение в тюрьме), но он, конечно, плакатный. Гораздо более интересны его «друзья по несчастью» – Брукс, Ред и другие обитатели тюрьмы. С первого взгляда они сильно проигрывают по сравнению с Дюфрейном – в тюрьме они предпочитают «не высовываться», а после освобождения оказываются недостаточно сильными, чтобы найти себе место в этом мире. Вернее, Ред благодаря Дюфрейну все-таки находит силы начать «новую жизнь» (Дюфрейн позвал его к себе в Мексику), а вот Брукс, вышедший еще до побега Дюфрейна, проработав некоторое время в супермаркете, покончил с собой от безысходности и одиночества.

Однако, подумав немного, понимаешь, что эта их слабость на самом деле – свидетельство их человечности. Жизнь в тюрьме, как бы она ни была неприятна и неудобна, оказалась для них возможностью познать настоящую человеческую общность: здесь все были одинаково унижены, но зато и равны друг с другом, здесь хочешь-не хочешь приходилось становиться членом коллектива, хоть это часто и выражалось в совместных издевательствах или, наоборот, в защите от них. У всех заключенных – одинаковые возможности и режим дня, все время они вынуждены работать и проводить «досуг» вместе, и поскольку делать им больше нечего – они узнают друг друга, общаются друг с другом просто так, без финансовой или другой «заинтересованности». Их отношения, как это ни парадоксально, оказываются более человечными, чем отношения «на воле», где у людей за обустройством своих дел нет времени для простого человеческого общения, и они вообще отвыкают от него. Достижения Дюфрейна – развитие тюремной библиотеки, например, здесь становились достижениями всех просто потому, что никакой корысти от этого получить было невозможно.

Проще говоря – заключенный, выходя из зоны действия законов капитализма (ведь именно капитализм определяет организацию человеческих отношений в современном мире), получал возможность действовать как человек, руководствоваться в своих поступках чисто человеческими мотивами, а не выгодой. Конечно, не все могли воспользоваться этой возможностью, но все-таки она была и, наверное, как раз самые развитые, самые сильные духом из заключенных находили в тюрьме то, чего они потом, после освобождения, не встречали «на воле» - человеческий коллектив и человеческое отношение. Не странно поэтому, что им хотелось обратно в тюрьму, где они жили более свободной (в смысле раскрытия человеческой сущности) жизнью, где они нашли друзей, смогли что-то изменить в себе и в окружающих. Но поскольку они хорошо знали, что каждому заключенному положено хотеть только одного – на свободу, то не могли понять своих душевных страданий и воспринимали их как что-то вроде сумасшествия. Собственно говоря, режиссер фильма ведь тоже преподносит их хандру как их личную душевную слабость, противопоставляя ей силу духа Дюфрейна.

На самом деле, было бы гораздо сильнее, как мне кажется, показать, что душевное противоречие освободившихся Брукса и Реда – не случайность, не их индивидуальная психологическая проблема, что оно имеет действительные причины, и что проблема – в ущербности реального мира, который не может предложить человеку ничего достойного его. Ведь страдали на воле именно те, кто в тюрьме стал человеком, а кто ничему в ней не научился и никак не изменился – тот, очевидно, просто не был способен испытывать подобные страдания. В этом плане оригинальное название фильма – «The Shawshank Redemption», что значит вообще-то не побег, а «освобождение, спасение» – играет злую шутку с его авторами: да, избавление, но ради чего? Ради мира, в котором свобода – только иллюзия, а в действительности жизнь не лучше, а даже хуже, бессмысленнее, чем в тюрьме? Ведь изобретенная как решение проблемы мечта Дюфрейна (Мексика, берег океана, старая лодка и т.п.) – крайне слаба для самого фильма и вряд ли удовлетворит мало-мальски думающего зрителя.

Мораль фильма – что надо никогда не сдаваться, всегда надеяться и бороться до победного конца – противоречит его окончанию: вместо того, чтобы взяться за решение тех проблем, той несправедливости, которые причинили героям столько страданий, Ред и Дюфрейн уходят от них, предпочитают остаться наедине с природой и со своей дружбой, забыть все, что было, и просто радоваться жизни. Но ведь так нельзя! Кто же тогда будет творить этот мир?

Что же касается негаснущей популярности «Побега» - наверное, ее причина в том, что он все-таки жизнеутверждающий. Как бы ни были сегодня популярны психодиллические драмы вроде «Донни Дарко» или «Реквиема по мечте», которые, кстати, занимают в Internet Movie Database лишь 131-е и 62-е места соответственно, люди все еще не утратили веры в лучшее. И это хорошо, но только нужно не просто верить и оставаться оптимистом, но и думать и бороться с уродствами нашего мира.

Зиновия Березка

http://propaganda-journal.net/3087.html

---

The Monk & The Monkey

The Monk & The Monkey from Brendan Carroll on Vimeo.

---

Мальчик, который увидел айсберг

Мальчик, который увидел айсберг

Экран разделён на две части - в правой показываются фантазии мальчика, в левой - реальность.
Один из самых драматичных мультфильмов, которые я когда-либо видела.

---

Постсовременное зло как феномен сериала "Пила".

В замкнутом пространстве.

В 1997 году канадский кинематографист Винченцо Натали дебютирует в большом кино в качестве режиссёра. Он снимает ленту по жанру определяемую как фантастический фильм ужасов. Формально. На деле же, это клаустрофобный хоррор с исключительной идеей и неповторимым сеттингом под названием «Куб». Картина снята за мизерную сумму – всего 365 тыс. канадских долларов. Сборы тоже не блещут нолями. Таким образом, лента со странным названием и не менее странным содержанием, в основу которой положен сценарий «неизвестного автора», возводит себя в разряд независимого кино. Подтверждение этому приходит уже в 1998 году, когда картина получает гран-при за лучший фильм и лучший сценарий на Международном кинофестивале в Каталонии в Сиджесе. А спустя два года после выхода в прокат, «Куб» завоёвывает второй трофей - премию «Серебряный Ворон» на фестивале фантастического кино в Брюсселе. Сняв картину «Куб», Винченцо Натали, таким образом, впервые заявляет, что за внешней оболочкой повествования о смертельных ловушках, в клочья разрывающих героев фильма, что негативно действует на перцептивный локус доброй половины зрителей, скрывается глубинный замысел, постулирующий вскрытие истинной природы человека, «первичной директивы». В своём творении Натали говорит о том, что за насилием, кое является основным кинематографическим приёмом, прячется грамотная мысль, требующая понимания. Таким образом, Винченцо Натали экспериментирует с сознанием зрителя, практикуя постулат кинематографического содержания, заключающийся в тезисе – «первичная директива» (что в человеке заложено изначально, исключая жизненное научение и социализацию, то есть – насилие, гнев и весь букет поганых черт) через страдание и изоляцию. Кстати, уже через семь лет появится лента, которая содержит в себе не только эту мысль, но ещё и схожую – катарсис или обретение волевой свободы через то же страдание и изоляцию.

 

Из Австралии с любовью.

Итак, безжалостно и изощрённо поэкспериментировав с восприятием реципиента в 1997 году, Винченцо Натали оставляет мостик концептуальной идеи для будущих кинематографистов, работающих в жанре ужаса, хоррора или триллера. Мостик этот оказывается подхваченным лишь в 2004 году, когда снимается полнометражная лента, в основу которой заложен фундамент замысла двух молодых киносоздателей из Австралии, Джеймса Ванна и Ли Уоннелла, эксплицитно воплощённый в коротком метре. «Пила: Игра на выживание» оказывается спасительной тростинкой для американского жанра ужаса и триллера, находящегося на последнем издыхании. И действительно, первая часть потрясающей франшизы, снятая всего за $1,2 млн., собирает в прокате по всему миру астрономическую кассу, в 86 раз превышающую бюджет, триумфально взбираясь на седьмое место в списке самых прибыльных картин всех времён. А ведь «Пила» является вовсе не откровенной рецитацией кинопроизведения Винченцо Натали, но отдалённо, коннотативно его напоминает. Тема правосудия концептуально наличествует и в «Кубе» и во всем сериале «Пила». Справедливости ради надо сказать, что тема эта становится операциональной путём насилия, изоляции, ужаса, апелляции к нравственному выбору, возвращению к первобытной природе человека (позже, эти интонации нашли своё  отражение в ленте Стивена Р. Монро «Смертельный лабиринт/Дом 9-ти», и совсем уж неудачно в бестолковой драме Гэри Грея «Законопослушный гражданин». Куда более явно реминисценции с «Кубом» обнаруживаются во второй части «Пилы», ставшей не менее популярной и прибыльной, чем её предшественница. «Пила 2» вбирает в себя ещё более запутанную историю, ещё больше действующих лиц, а значит, ещё больше сюжетных коллизий и хитросплетений. Удивительным становится процесс взаимосвязи и взаимопроникновения двух сюжетных динамических линий в течение повествования, которые в итоге приходят к точке соприкосновения и логически-шокирующему финалу. Вообще-то, концовки всех семи фильмов о жестоком маньяке по имени Джон Крамер некоторым кажутся, как принято выражаться в народе, притянутыми за уши или высосанными из пальца. Но что бы делал сериал «Пила» без этих грандиозно ошеломляющих, искромётно поражающих, феерично завершающих повествование финалов?!
 

Выдержав грамотную дистанцированность с кинопроизведением Винченцо Натали,  сериал «Пила» становится автономным опусом целого паноптикума авторов, в течение шести лет трудящихся над ним. Благодаря морализаторству, заключённое в призыве ценить жизнь, испивать каждый день как последний в жизни, внимательно и заботливо относится к близким, изощрённо-жестоко передаваемое с помощью кровавых испытаний над провинившимися людьми, франшиза «Пила» становится оксюмороном в жанре триллер/ужас. Проделанный создателями каждой из частей громадный объём работы послужил возникновению целого сеттинга, содержащего процессуальную композиционную структуру, компоненты которой удивительным образом становились когерентными по мере того, как каждый год выходил новый фильм о кровожадном конструкторе. Но на чашу весов, отведенную недостаткам, бросается сомнительный актёрский состав, на протяжении всех семи фильмов имплицитно выражающий переживания страха и ужаса и вытягиваемый только лишь одним блистательным Тобином Беллом.
 

 «Я — часть той силы, что вечно хочет зла и вечно совершает благо».

ХладнаЯ отдалённость, независимость сериала «Пила» во многом зависела от наличия в нём главного злодея, а в этом случае – злодея, способного вызвать у зрительской аудитории амбивалентные чувства, двоякое отношение. Дуалистический распад характера Джона Крамера происходит в третьем фильме, который рассказывает о тяжелой болезни Конструктора. А в «Пила 4» появляются флэшбеки, отсылающие к событиям, позволяющим зрителям понять мотивационный аспект деятельности Джигсо, который ещё больше способствует расслоению его личности. И полученное объяснение кажется вполне логичным и способным ответить на извечный вопрос о том, почему же Джон Крамер так жестоко поступает со своими жертвами, пытаясь втолковать им ценность жизни. Постсовременность явно отвергает зло и добро в чистом виде, ей уже не нужен чёткий контраст между этими двумя силами, не нужна простенькая редуцированность до избитой обычности: с одной стороны – хорошие, добрые дела и поступки, с другой – злодеяния. Ассимиляция, нивелированность добра и зла, стирание чётких границ между ними удовлетворяет постсовременность, вместе с тем удовлетворяя массовые запросы. Именно поэтому Джон Крамер – амбивалентный злодей, обличающий греховность людей через страдания и боль, нравственный выбор и волевой рывок, имеющий собственную логически оправданную мотивацию, и, наконец, действующий во имя высшей цели, вполне заслуженно становится главным злодеем уходящего десятилетия.       

 

---

Проект "Немое кино - живая музыка" в кафе "Ex:Libris" 26 декабря,19.00.

Проект "Немое кино - живая музыка" получил в этом году грант
Президента Российской Федерации в области культуры и искусства. Его
уникальность в том, что музыкальное сопровождение к фильму составляет
не просто некий звукоряд, играющий вспомогательную роль, как это было
в эпоху немого кино, а независимое полноценное музыкальное полотно, в
котором смешались такие разные культуры и традиции, как суфийская
музыка, азербайджанский мугам, китайская салонная музыка, фри-джаз,
электроника и так далее.

"Приключения Принца Ахмеда" (1926) - это первый в истории кино
полнометражный мультипликационный фильм. Он создан художницей Лотте
Райнигер, ученицей Макса Рейнхардта, по мотивам сказок <<Тысяча и одна
ночь>> и выполнен в редкой анимационной технике <<силуэтной анимации>>,
позволяющей создать на экране атмосферу театра теней. Во время
бомбежек Дрездена в 1944 г. фильм был практически уничтожен и был
восстановлен по иллюстрациям и зарисовкам только после Второй мировой
войны.

Сергей Летов - сопрано-саксофон, флейты, ноутбук, MIDI-контроллер
BITSTREAM 3XРа
Теймур Надир - вокал, гитара

Сергей Летов - персона, не нуждающаяся в представлении, границы его
творчества не знают предела: он играет в спектаклях Театра на Таганке,
занимается импровизационной музыкой с "Sax-Мафией", участвует в
рок-проектах (с группой своего младшего брата Егора Летова
<<Гражданская оборона>>, "ДДТ", "Алисой". Играет на саксофоне,
бас-кларнете, всевозможных флейтах, создает и собственные инструменты.

Теймур Надир - азербайджанский певец, композитор, в совершенстве
владеющий вокальной техникой мугама. Лауреат Азербайджанской
Национальной музыкальной Премии <<Алтун Нар>> (2002) и Премии
Французской Академии музыки (2005).

Вход 350 р.
Арт-клуб "Ex:Libris" находится по адресу: м. Тургеневская, Бобров пер.6 стр.1
(Здание Тургеневской библиотеки)
Сайт: http://exlibriscafe.ru/
До встречи 26 декабря, в 19.00!

---

Кино Дени Аркана. Краткое исследование.

Фильмы главного режиссера квебекской киношколы — Дени Аркана, несмотря на внешнюю простоту, на деле оказываются очень глубокими и, порою, способными даже шокировать. Они никогда не затянуты, их довольно легко смотреть, но после просмотра неизбежно оставляют отпечаток.




Основное достоинство аркановских фильмов — его же гениальные сценарии. Это редкий талант, способный смешать несколько жанров настолько искусно, что многие и не заметят подвоха. Он издевается над своими героями, выводит на показ их недостатки, но и находит в каждом нечто прекрасное. Он испытывает к ним симпатию, несмотря на все их пороки и изъяны. Другой вопрос, которому Аркан уделяет особое внимание во всех своих картинах это Система и ее Падение.

В своем главном фильме — «Закате американской империи» он указывает на это прямо в названии. У фильма есть продолжение, снятое Арканом спустя 17 лет, которое имеет столь же символичное наименование — «Нашествие варваров».
Если попытаться все четко разграничить и абстрагироваться от многочисленных идей поданных в этой дилогии подтекстом, то «Закат» это фильм о сексе, «Нашествие» —фильм о смерти. Тем удивительнее, что во втором фильме Аркан оказывается гораздо оптимистичнее. Возможно причиной этому является смирение и умиротворенность, то внутреннее спокойствие, с которым Аркан ведет свое повествование.

В «Иисусе из Монреаля» основным объектом своих насмешек Аркан делает церковь. Он проводит аналогию между устоями общества находящегося на пересечнии эр и общества современного, в свою очередь пребывающего на пересечении тысячелетий. Из главного героя своей картины Аркан делает, как бы современного мессию, которого никто не понимал во время жизни, кроме нескольких «учеников», но «учение» которого будет жить еще долго.



В «Любви и бренных останках» Аркан впервые ступает на территорию эгояновских эротическо-криминальных драм. Кроме того это его дебют в англоязычном кино. Довольно мрачный, очень атмосферный фильм, где действие в основном происходит в ночное время суток. Пороки героев уже не завуалированы, а наоборот выходят на первый план. Но Аркан довольно неожиданно находит луч света и в этом темном царстве. Режиссер указывает на наличие светлого даже в самых «черных» людях. С эстетскими произведениями Эгояна «Любовь» роднит не только тематика, но и то, что снимал эту картину замечательный оператор Пол Саросси (вечный соратник режиссера «Славного будущего» и «Путешествия Фелиции» .

«Век помрачения» можно охарактеризовать как трагикомедию с элементами фарса. Прямая издевка над системой.  Гиперболизация и так довольно нелепых ситуаций. Грезы главного героя и никчемная реальность «из жизни офисного планктона». Последний фильм Аркана — тот редкий случай, когда зритель не может определится, что же делать — плакать или смеяться. Один из самых смешных и вместе с тем самых грустных фильмов десятилетия. Аркан сочувствуя иронизирует и иронизируя сочувствует своим героям. Он хоть и издевается, но не впадает в чистый цинизм. И в этом еще одна особенность фильмов поистине выдающегося режиссера и сценариста Дени Аркана.

---

Особые отношения

Вчера с Дельфином после целого дня суеты решили сходить в кино. Я подняла свою задницу и оторвалась от компьютера, и была счастлива, что сделала это.
Потому что...

ОСОБЫЕ ОТНОШЕНИЯ.
Режиссер: Жанна Лабрюн
В ролях: Изабель Юппер.
Когда увидела фамилию последней, выбор был сделан в пользу этого фильма.

Для меня в нем три главных героя: Он, Она и деревянный Ангел с круглым глуповатым лицом, проданный на аукционе за 6,5 тысяч евро.
Так странно видеть проститутку, которой под шестьдесят. Это первое впечатление. Потому что знаешь, что примерно столько этой прекрасной актрисе. О возрасте забываешь уже после первой постельной сцены, где она - маленькая девочка. О возрасте забываешь и любуешься в сцене, где она сидит в ресторане и смотрит молодыми глазами на поющую старую певичку. И подпевает. Что еще? Толпы психотерапевтов и психоаналитиков. Пациенты. Врачи. Врачи. Пациенты. В какой-то момент они меняются ролями. Деньги еще в этом круговороте имеют место. Сумасшедшие. Деревянный ангел с глуповатым лицом таинственным образом кочует от одного к другому - от психиатра к психоаналитику, от психоаналитика к проститутке, потом возвращается на исходную - к психиатру и дальше идет в сумасшедший народ. Чтобы там творить чудеса. За 5 минут. Ровно столько времени нужно любящему сердцу, чтобы услышать другое живое сердце.
Чувств в фильме сначала очень мало. А потом очень много. А люди - одни и те же.

---

"Строгий юноша" в суровых советских буднях.

     

 

    Фильм Абрама Роома «Строгий юноша» (1936
г.) - отдельная страница в советском кинематографе. Своеобразна картина по
своему содержанию и визуальному ряду. Снята она 
по мотивам романа Ю. Олеши «Зависть» и является философско-романтической
драмой. Если бы фильм не запретили специальным постановлением треста
«Украинфильм», он вполне бы мог положить начало новому кино не только в СССР,
но и в мире. Но шансы увидеть экраны у «Строгого юноши» были равны нулю.

    Фильм был обвинен в формализме, в
эстетических выкрутасах, идеологической несостоятельности. Конечно это
обвинение было самым тяжелым.  Хотя с
точки зрения исторической фильму «Строгий юноша» повезло гораздо больше чем
«Бежину лугу» Эйзенштейна – от него остался лишь фотофильм.

    Запрет фильма  сопровождался громкой кампанией в прессе,
которая носила показательный характер. Травлей в прессе сопровождали запрет таких
фильмов как «Прметей» Ивана Кавалеридзе, «Бежин луг» С. Эйзенштейна, «Закон
жизни» Б. Иванова и А. Столпера. И это лишь отдельные примеры.

     Чем же так был плох фильм с точки зрения
цензоров?

Выделю лишь некоторые важные моменты. В первую  очередь это герои фильма и их поступки.
Главный герой картины – склонный к философским размышлениям студент и
комсомолец Гриша Фокин, безнадежно влюбленный в замужнюю женщину, которая
старше его лет на 10, а то и больше. Гриша совсем не похож на героев сталинского
кинематографа, которые не думают, а действуют, за них уже давно подумала партия
и Сталин. Цель их жизни – служение наивысшей Цели, которая есть служение партии
и вождю и строительство коммунизма. Гриша Фокин тоже хочет строить коммунизм,
но его беда в том, что он слишком много думает и рассуждает, он слишком
романтичен и нежен. Его руки не работали в поле, не водили трактор и не убирали
навоз из под колхозных свиней. Он человек Возрождения любопытный и энергичный.
Свои мысли о построении идеального общества Гриша, в одном из эпизодов, вещает
в раздевалке бани, среди античных статуй и барельефа с изображение Сталина,
Ленина, Маркса и Энгельса.    

   Другой герой – профессор Степанов, светило
советской медицинской науки. И здесь зритель должен был видеть трудолюбивого,
порядочного, скромного советского ученого, который готов жизнь свою положить на
научный алтарь. Но в фильме мы видим колоритного персонажа с сильным
гедонистическим уклоном, который при себе держит подлизу и льстеца Цитронова.

 Фильм, без сомнения, был создан вне рамок
метода социалистического реализма, который стал догматичным в кино с 1935 года.
В нем есть много от эстетики сюрреализма и экспрессионизма.  Оператор Ю. Екельчик владел сложным приемом
снимать красиво белое на белом. Этот прием был задействован в фильме, что
придало изображению легкость и прозрачность . 

Украшают филь и
прекрасные своеобразные диалоги, которые чем-то современному зрителю могут
напомнить муратовские…

Эту картину могу
рекомендовать как безусловный шедевр. (А еще в нем появляется совсем молодая
еще Валентина Серова)))

---

«13 tzameti». Режиссер и автор сценария - Гела Баблуани (Франция, 2005)

Режиссер и автор сценария: Гела Баблуани
Оператор: Тариэль Мелиава
В ролях: Георгий Баблуани, Орельен Рекуан, Николя Пиньон, Филипп Пассон
89 мин.
 

Себастьян, парень из большой семьи грузинских эмигрантов, живущих во Франции, работает кровельщиком и оказывается в неприятной ситуации, когда его заказчик неожиданно умирает. А вместе с ним умирает и вопрос об оплате. И это самая малая неприятность, которая случится с Себастьяном. Он случайно находит письмо, выпавшее из окна его умершего работодателя, и, подслушав о его ценности, забирает его себе. А в письме только железнодорожный билет в одну сторону и чек об оплате номера.
И Себастьян садится на поезд, думая, что тот увезет его к новой жизни…

Гела Баблуани, сам выходец из Грузии, снял пронзительный и страшный фильм, который некоторые критики сравнивают с шедеврами русского немого кино. Полностью черно-белый, что еще более усиливает эмоции и концентрирует вас на лицах, и очень камерный, что еще более усиливает страх. Он напоминает нам одновременно и французскую новую волну, и итальянских неореалистов, а потрясающая операторская работа отсылает нас напрямую к репортажным снимкам фотографов агентства «Magnum».

Идея о манипулировании людьми, о власти и смерти выстроилась у Баблуани в сюжет об игре, такой же старый и всеобъемлющий, как мироздание. Гиперболизированная реальность этой картины не воспринимается таковой, а кажется гнетущей правдой, как черно-белый репортаж о чьих-то страданиях. Как хроника чьей-то смерти, которую мы случайно увидели и не смогли оторвать взгляда. Как хроника потери невинности.

«Когда человек вступает в игру, он теряет чувство невинности и сам становится манипулятором», - сказал об идее своего фильма Гела Баблуани.

«Почему вы вынесли грузинское слово tzameti в название своего фильма?» - «Чтобы люди знали хотя бы одно грузинское слово».

---

Джармуш

У Джармуша, как и у всякого приличного творца, есть своя собственная магия создания, которая работает, возможно, и ему самому не вполне понятным образом. Я бы её охарактеризовал как любовь к кино. У меня при просмотре возникает ощущение, как он сам смакует каждый кадр - прежде всего, конечно, в "The Limits of Control". Их нельзя просто посмотреть и выбросить из головы, они каким-то образом остаются внутри и там "сияют". Как это и должно быть, я не могу сказать, что заставляет меня раз за разом пересматривать "Night on Earth", "Broken Flowers", "Dead Man" и всё остальное - ничего более конкретного, чем талант их создателей. Это - фильмы полного погружения, очень изящные, которые играют на каких-то уж и вовсе незаметных "струнах души". Я могу проследить, что в "Coffee and Cigarettes" в том виде, в котором он появился в конечном варианте, есть некоторый постепенный подъём с достижением максимальной вершины в конце, но за счёт чего? Какая-то таинственная магия кадра, в котором всё развивается безукоризненно, уводя глубоко в подсознание, и уже там, на совсем другой поверхности, находя что-то смешное, страшное, странное. Как взгляд женщины в сторону уезжающей таксистки, которая только что отказалась от мечты любой юной особы по той причине, что она уже планирует стать механиком, - это просто произошло, просто существует, это можно понять чем-то "этаким", но нельзя назвать - говорить о целеустремлённости или необычности было бы ужаснейшей пошлостью. Или как персонаж Билла Мюррея, который с большой неохотой пускается в авантюру своего соседа, а в конце концов отчаянно бежит за восемнадцатилетним пареньком, который, возможно, является его сыном. И вот так - каждое мгновение. Вернер Херцог как-то сказал, что в плане творчества легко учиться у сделанного плохо, т.к. можно проследить, как именно это было сделано, а у хорошей же работы научиться (в практическом плане - прим. ША) нечему, т.к. почему оно прекрасно - непонятно. Я не склонен к возвеличиванию, но всё-таки каким-то образом большинство фильмов Джаруша безупречно. Он знает какой-то секрет

---

Шесть барабанщиков, или Десять лет спустя...

Утро. Зима. Тишина. На улице еще темно. Вылезать из под одеяла совсем не хочется. Зазвенел будильник. Защелкали выключатели. Зашмыгали тапки. Зажурчала вода в ванной. На кухне засвистел чайник, застучали дверки шкафов, звякнула микроволновка. Кто-то включил музыку. От тишины и утра не осталось и следа. Голову запихиваю под одеяло и накрываю ее подушкой, надеясь, что так у меня будет еще хотя бы пять минут возможности насладиться гармонией утренней тишины...

А вот drum-банда из короткометражки «Музыка для одной квартиры и шести барабанщиков» («Music for One Apartment and Six Drummers») попыталась создать гармонию именно из тех самых звуков, которые меня обычно раздражают по утрам, и исполнили четыре интересные композиции в четырех комнатах квартиры: на кухне, в спальне, в ванной и в зале. Меня поразило, как с помощью таких привычных в домашнем обиходе предметов, возможно было исполнить настоящую музыку – музыку городской квартиры. И это естественно, ведь мало кого может не удивить соло с ершиком для унитаза или тема шипящих флаконов духов. Да и книги в их руках зазвучали как-то по-новому...



«Music for One Apartment and Six Drummers» (2001)
Directors: Ola Simonsson, Johannes Stj

---

A Little Romance | Маленький роман

Лорен, Лорен! Я буду звать тебя Лори. А ты называй меня Богги — так говорил Хамфри Богарт своей возлюбленной Лорен Бэколл, потому, что они принадлежали друг другу. Этими словами влюблённый в кино Даниэль Мишон (Телониус Бернард) окликнул одиноко скучавшую Лорен Кинг (Дайан Лэйн), случайно оказавшись на съёмочной площадке какого-то сумасбродного фильма, с режиссёром которого беззастенчиво флиртовала её беспечная мать. Решительная смелость отозвалась симпатией. Подумаешь: любовь с первого взгляда. Кажется, верно, но не совсем так.

Двенадцатилетняя девочка зачитывается «Введением в метафизику» Мартина Хайдеггера, и для мальчика не секрет его философия бытия: непростые дети постигают жизнь, и, если для дочери состоятельных американцев это просто удивительно, то увлечение сына одинокого парижского таксиста решительно выходит за рамки традиций и нормальных вещей.

Придумал всё это ПатрИк КовЭн (Patrick Cauvin), чья новелла «E=MC

---

Враг

Майкл Манн повторяется. Его "Враги общества" ('Public Enemies') - по сути, перенесенная в тридцатые годы "Схватка" (1995), крепкий боевик с претензией на неоднозначность персонажей и брутальную художественность. Но это тот случай, когда повтор простителен: уж очень хорошо сидят на героях пальто и шляпы.

 

Для тех, кто не понял: я говорю о колорите эпохи, основательно, со вкусом, с явным удовольствием воссозданном на экране. Если честно, мне особенно понравились рубашки. Невооруженным глазом видно: никакой синтетики, никакого полиэстера - старый добрый коттон. (Впрочем, до изобретения нейлона остается всего несколько лет.)

Показанные крупным планом воротнички мужских сорочек, лица, плечи, затылки - Манн словно хочет приплюснуть "картинку" к зрителю (или зрителя к "картинке", создать эффект присутствия, максимально усиливая чувство реальности происходящего. Правда, порой этот прием утомляет: от него просто ломит глаза; порой он подводит режиссера, демонстрируя незаношенность шляп и туфель, начищенность автомобильного и паровозного железа. В то же время, как и в "Схватке", Манну не изменяет чувство меры в стремлении снимать жестко. В многочисленных перестрелках обе стороны не щадят друг друга, но режиссер щадит зрителя, и после фильма нет желания первым делом зайти в уборную, чтобы смыть с лица брызги крови, летевшие с экрана.

Можно сказать, глазу найдется работа в новом фильме Майкла Манна, чего, увы, с такой же уверенностью не скажешь о работе мысли. С одной стороны, вряд ли в этом есть большая вина самого режиссера, который взялся за тему, давно уже перемолотую до состояния пудры. Что нового Манн мог рассказать о лихом налетчике, обреченном рано или поздно встретиться со "своей" пулей? С другой стороны, если 'Public Enemies' для Манна - не просто гуверовское клише, не просто громкое прозвище, напоминающее название какой-нибудь бейсбольной команды, а точная характеристика Джона Диллинджера и его сообщников, возникает вопрос, почему в фильме нет почти ничего, что могло бы эту характеристику (по моему мнению, справедливую) серьезно подтвердить?

Диллинджер в исполнении Джонни Деппа не поднимается выше (или не опускается ниже?) романтического "благородного разбойника", неотличимого от длинного ряда таких же романтических "благородных разбойников". Я не говорю, что в "Джонни Д." не могло быть своеобразного благородства (было ли на самом деле, не знаю). Но гораздо важнее другое: никакие благородство и хищная грация не способны скрыть, что Диллинджер и ему подобные всегда были, есть и будут Злом, "черными дырами", ничего не дающими и лишь засасывающими созданное другими, "потребителями", замкнутыми только на самих себя и всегда готовыми принести других в жертву своим интересам. Накинуть пальто на дрожащую от страха и от холода банковскую кассиршу - как рыцарственно! И, наверное, "занудным" и "мелочным" будет напоминать, что именно за этой дрожащей блондинкой несколько вооруженных автоматами "благородных мужчин" прятались, выходя из ограбленного банка.

У Честертона отец Браун говорит другому "благородному разбойнику", вору Фламбо: "Можно оставаться на одном уровне добра, но нельзя оставаться на одном уровне зла". Диллинджер - не исключение из этого правила, а упомянутая блондинка - всего лишь один из примеров, которых могло быть много или мало, но которые в любом случае подтверждают: стать открытым врагом общества нельзя наполовину; нельзя воевать только с сильными, только с банками, только с Властью, не рискуя как минимум рикошетом - в прямом и в переносном смысле - задеть слабых. На фоне пренебрежения интересами других людей и игры их судьбами выглядят наивными попытки Манна облагородить Диллинджера, противопоставить этого "Дон-Кихота" гангстерской Америки промышленному размаху мафиозных синдикатов. Вирус есть вирус, вне зависимости от его природы.

Этих проблем, как я уже сказал, Манн в фильме не ставит. Выдержав образ своего героя в привлекательных романтических тонах, он красиво расстается с ним, оставляя его подружку с трогательными воспоминаниями, а его преследователей-фэбээровцев - с непростыми чувствами то ли облегчения, то ли сожаления. Я же покинул кинозал с очень простой и четкой мыслью: "Все правильно. Если враг общества не сдается - его уничтожают".

 

---

26 декабря (ВОСКРЕСЕНИЕ, 20.30) - КАТРИН ДЕНЕВ и ЖЕРАР ДЕПАРДЬЕ в новом фильме ФРАНСУА ОЗОНА «ВАЗА»

26/12/10 | 20:30

Катрин Денев и Жерар Депардье в новом фильме Франсуа Озона «Ваза» (Франция, 2010). Предпремьерный показ!

Самый сладостный фильм Венецианского фестиваля-2010 и возвращение в форму Франсуа Озона: стилизованный под 1970-е бурлеск про жену владельца фабрики зонтиков, которая берет в руки не только свою жизнь, но заодно завод и город. Как известно, Катрин Денев бегает здесь в красном спортивном костюме и поет (см. "Шербурские зонтики", Депардье играет коммуниста и так далее. Фильм стал лидером осеннего проката во Франции: только за первые недели его посмотрели почти миллион человек. Предпремьерный показ!
(Стоимость программы 400 руб.)

Пожалуйста, резервируйте места заранее: 691-18-81, 8(925) 071-9707

Клуб-ресторан «ЦВЕТ НОЧИ», Б. Козихинский пер., 12/2 (м.Пушкинская)

---

Постсовременное зло как феномен сериала "Пила".

В замкнутом пространстве.

В 1997 году канадский кинематографист Винченцо Натали дебютирует в большом кино в качестве режиссёра. Он снимает ленту по жанру определяемую как фантастический фильм ужасов. Формально. На деле же, это клаустрофобный хоррор с исключительной идеей и неповторимым сеттингом под названием «Куб». Картина снята за мизерную сумму – всего 365 тыс. канадских долларов. Сборы тоже не блещут нолями. Таким образом, лента со странным названием и не менее странным содержанием, в основу которой положен сценарий «неизвестного автора», возводит себя в разряд независимого кино. Подтверждение этому приходит уже в 1998 году, когда картина получает гран-при за лучший фильм и лучший сценарий на Международном кинофестивале в Каталонии в Сиджесе. А спустя два года после выхода в прокат, «Куб» завоёвывает второй трофей - премию «Серебряный Ворон» на фестивале фантастического кино в Брюсселе. Сняв картину «Куб», Винченцо Натали, таким образом, впервые заявляет, что за внешней оболочкой повествования о смертельных ловушках, в клочья разрывающих героев фильма, что негативно действует на перцептивный локус доброй половины зрителей, скрывается глубинный замысел, постулирующий вскрытие истинной природы человека, «первичной директивы». В своём творении Натали говорит о том, что за насилием, кое является основным кинематографическим приёмом, прячется грамотная мысль, требующая понимания. Таким образом, Винченцо Натали экспериментирует с сознанием зрителя, практикуя постулат кинематографического содержания, заключающийся в тезисе – «первичная директива» (что в человеке заложено изначально, исключая жизненное научение и социализацию, то есть – насилие, гнев и весь букет поганых черт) через страдание и изоляцию. Кстати, уже через семь лет появится лента, которая содержит в себе не только эту мысль, но ещё и схожую – катарсис или обретение волевой свободы через то же страдание и изоляцию.
 

 

Из Австралии с любовью.

Итак, безжалостно и изощрённо поэкспериментировав с восприятием реципиента в 1997 году, Винченцо Натали оставляет мостик концептуальной идеи для будущих кинематографистов, работающих в жанре ужаса, хоррора или триллера. Мостик этот оказывается подхваченным лишь в 2004 году, когда снимается полнометражная лента, в основу которой заложен фундамент замысла двух молодых киносоздателей из Австралии, Джеймса Ванна и Ли Уоннелла, эксплицитно воплощённый в коротком метре. «Пила: Игра на выживание» оказывается спасительной тростинкой для американского жанра ужаса и триллера, находящегося на последнем издыхании. И действительно, первая часть потрясающей франшизы, снятая всего за $1,2 млн., собирает в прокате по всему миру астрономическую кассу, в 86 раз превышающую бюджет, триумфально взбираясь на седьмое место в списке самых прибыльных картин всех времён. А ведь «Пила» является вовсе не откровенной рецитацией кинопроизведения Винченцо Натали, но отдалённо, коннотативно его напоминает. Тема правосудия концептуально наличествует и в «Кубе» и во всем сериале «Пила». Справедливости ради надо сказать, что тема эта становится операциональной путём насилия, изоляции, ужаса, апелляции к нравственному выбору, возвращению к первобытной природе человека (позже, эти интонации нашли своё  отражение в ленте Стивена Р. Монро «Смертельный лабиринт/Дом 9-ти», и совсем уж неудачно в бестолковой драме Гэри Грея «Законопослушный гражданин». Куда более явно реминисценции с «Кубом» обнаруживаются во второй части «Пилы», ставшей не менее популярной и прибыльной, чем её предшественница. «Пила 2» вбирает в себя ещё более запутанную историю, ещё больше действующих лиц, а значит, ещё больше сюжетных коллизий и хитросплетений. Удивительным становится процесс взаимосвязи и взаимопроникновения двух сюжетных динамических линий в течение повествования, которые в итоге приходят к точке соприкосновения и логически-шокирующему финалу. Вообще-то, концовки всех семи фильмов о жестоком маньяке по имени Джон Крамер некоторым кажутся, как принято выражаться в народе, притянутыми за уши или высосанными из пальца. Но что бы делал сериал «Пила» без этих грандиозно ошеломляющих, искромётно поражающих, феерично завершающих повествование финалов?!
 

Выдержав грамотную дистанцированность с кинопроизведением Винченцо Натали,  сериал «Пила» становится автономным опусом целого паноптикума авторов, в течение шести лет трудящихся над ним. Благодаря морализаторству, заключённое в призыве ценить жизнь, испивать каждый день как последний в жизни, внимательно и заботливо относится к близким, изощрённо-жестоко передаваемое с помощью кровавых испытаний над провинившимися людьми, франшиза «Пила» становится оксюмороном в жанре триллер/ужас. Проделанный создателями каждой из частей громадный объём работы послужил возникновению целого сеттинга, содержащего процессуальную композиционную структуру, компоненты которой удивительным образом становились когерентными по мере того, как каждый год выходил новый фильм о кровожадном конструкторе. Но на чашу весов, отведенную недостаткам, бросается сомнительный актёрский состав, на протяжении всех семи фильмов имплицитно выражающий переживания страха и ужаса и вытягиваемый только лишь одним блистательным Тобином Беллом.
 

 «Я — часть той силы, что вечно хочет зла и вечно совершает благо».

ХладнаЯ отдалённость, независимость сериала «Пила» во многом зависела от наличия в нём главного злодея, а в этом случае – злодея, способного вызвать у зрительской аудитории амбивалентные чувства, двоякое отношение. Дуалистический распад характера Джона Крамера происходит в третьем фильме, который рассказывает о тяжелой болезни Конструктора. А в «Пила 4» появляются флэшбеки, отсылающие к событиям, позволяющим зрителям понять мотивационный аспект деятельности Джигсо, который ещё больше способствует расслоению его личности. И полученное объяснение кажется вполне логичным и способным ответить на извечный вопрос о том, почему же Джон Крамер так жестоко поступает со своими жертвами, пытаясь втолковать им ценность жизни. Постсовременность явно отвергает зло и добро в чистом виде, ей уже не нужен чёткий контраст между этими двумя силами, не нужна простенькая редуцированность до избитой обычности: с одной стороны – хорошие, добрые дела и поступки, с другой – злодеяния. Ассимиляция, нивелированность добра и зла, стирание чётких границ между ними удовлетворяет постсовременность, вместе с тем удовлетворяя массовые запросы. Именно поэтому Джон Крамер – амбивалентный злодей, обличающий греховность людей через страдания и боль, нравственный выбор и волевой рывок, имеющий собственную логически оправданную мотивацию, и, наконец, действующий во имя высшей цели, вполне заслуженно становится главным злодеем уходящего десятилетия.       

 

---

Винни-Пуху 85

С Днем Рождения Винни-Пух

Винни-Пух — главный персонаж двух книг Алана Милна.
Winnie-the-Pooh (первая глава опубликована в газете London Evening News перед Рождеством, 24 декабря 1925 года

---

Фильм "Щелкунчик и Крысиный Король 3D"/ The Nutcracker in 3D

 Первое, что хочется сказать на тему нового творения Кончаловского - это что фильм, мягко говоря, специфический, и создатель, думаю, сам это уже осознал. То, что мы с вами видим на рекламном плакате - это все слишком мило, сказочно и наивно по сравнению с реальным положением вещей. Некоторые мои знакомые прямо-таки в ужасе от режиссерского прочтения классического сюжета, но я-то лично не в ужасе, и потому попытаюсь изложить свои впечатления максимально беспристрастно. 

Сюжет сам по себе, если пересказывать его своими словами, очень похож на оригинал. Но по жанру это вовсе не светлая рождественская история, и не развлекательный рождественский балет с классической музыкой (хотя музыка, несомненно, присутствует). Это действительно фэнтэзийный приключенческий фильм, в котором присутствует юмор, ирония, пародийность и оригинальные авторские метафоры, о которых многие считают, что лучше бы их и не было, но как по мне, так все это довольно смешно. 

Начнем с того, что семейство Мэри близко знакомо с доктором Фрейдом и успешно применяет на практике его психоанализ. Впрочем, нет, начать все-таки следует с дядюшки Альберта, который периодически выполняет роль действующего лица, а периодически - несколько отстраненного "рассказчика", как бы сказочника. Думаю, все, кто видел фото дядюшки, признали в нем Альберта Эйнштейна. Каково?

Далее. Крысы в фильме недвусмысленно напоминают фашистов, а также сыплют жаргонными словечками (впрочем, и положительные герои не чураются слов "супер" и "класс". Кроме того, они пользуются совершенно не положенными им по статусу крысобайками, крысолетами... и держат в аквариуме акулу! А  когда в моменты повышенной нервозности у Крысиного короля вырастают устрашающие зубы, любители ужастиков про оборотней подпрыгивают на креслах и хлопают в ладоши. 

Несмотря на навязчивые признаки совершеннейшего артхауса, в фильме есть откровенно сказочные моменты, которые превращают этот фильм в симпатичный, но совершенно безумный салат "Эклектика". Красивая елочка, упирающаяся макушкой в небо, танец снежинок в 3D, трогательный вальс Мэри и Щелкунчика, сказочный кукольный домик... в общем, такие моменты, из которых можно без стеснения делать красивую и нестрашную нарезку "для самых маленьких". Потому что целиком фильм я бы самым маленьким показывать не стала, если честно. 

Но в общем и целом, несмотря на то, что фильм порой не совсем удачно подшучивает над довольно специфическими темами, за общее качество исполнения я практически горжусь, хотя излишняя авангардность и эпатажность будет понята не всеми. Единственное что 3D фильму, по-моему, ни к чему, хотя некоторые сцены вполне себе объемны, а фильм в целом очень даже зрелищный, но он был бы зрелищным и без того. Если все это не пугает - сходите, посмотрите, интересно же, что снимают российские режиссеры в области развлекательного кино.