Обстоятельства сильнее человека?.. ©

  Среди всего необъятного многообразия выпускаемых мировым кинематографом картин, которые в большинстве своём не тянут даже на среднюю оценку, попадаются и неожиданные жемчужины, которые вселяют надежду в то, что хорошее кино снимать ещё могут. Для меня был удивительным тот факт, что «Камера 211» не очередной голливудский блокбастер, а совместный французско-испанский проект, который в 2009 году получил сразу 8 премий «Гойя».

  Это кино притягивает людей в соответствии с принципом «запретный плод сладок». Ведь мало кто из сознательных личностей желает добровольно оказаться заключенным и попасть в камеру, вне зависимости от её номера. Но, нежелание оказаться преступником ещё не означает, что жизнь «по ту сторону» не интересна обывателям. Любопытство есть всегда, человек от него никуда не денется — именно из-за него мы смотрим приключенческие фильмы, размышляем о тонких материях и спрашиваем друг у друга «как дела?». Спасибо режиссеру «Камеры 211» за подаренную нам возможность одним глазком взглянуть на криминальный мир, заключенный в стенах европейской тюрьмы.

  Нам показывают бунт, организованный арестантами с целью получить более приемлемые для жизни условия, вроде врачебной помощи, регулярного общения с родными, менее жестокого обращения, etc. В водоворот происходящих событий попадает молодой парень Хуан, который устраивался в тюрьму надзирателем, и обстоятельства вынуждают его выдать себя за такого же нарушителя закона, как и восставшие. Далее сюжет развивается по принципу «с волками жить — по волчьи выть»: постепенно Хуану удается добиться доверия главаря заключенных, что позволяет ему быть в курсе всего происходящего и не давать себя в обиду. Но за стенами тюрьмы у него осталась беременная жена, которая услышала об инциденте на новой работе мужа из новостей.. Коллектив действующих лиц можно завершить упоминанием о чиновниках разной степени важности и морального уровня, а также охранникам, которые за время своей работы с убийцами, успели многому у них научиться и воспитали в себе любовь к насилию.

  Человек полностью раскрывает свои возможности только в экстремальных ситуациях. В «Камере 211» продемонстрированы только несколько случаев: когда жизни человека (собственной или кого-то близкого) угрожает опасность и когда уже нечего терять. Возможность меняться, изменять свое мнение, поведение, образ мышления — это всё в руках человека, но иногда обстоятельства принуждают к личностным переменам.

  Все 108 минут фильма наполнены динамичными действиями — зрителю не дают скучать, не пичкают разнообразными монологами «за жизнь» или рассуждениями о морали, здесь всё красочно продемонстрировано — и при этом не вызывает отвращения, не зря премией «Гойя» был отмечен монтаж этой картины: в каждой сцене расставлены акценты, нет ничего лишнего или не соответствующего общей стилистике фильма. Педантичный подход съемочной группы виден невооруженным глазом.

  Нельзя оставить без внимания актерский состав: всем им хочется верить, сопереживать или ненавидеть. Как преображаются заключенные, как меняют своё поведение охранники, как выразительна мимика главных героев — всё это позволяет глубже окунуться в атмосферу бунтарства и борьбы за выживание.

  Картина «Камера 211» — это соединение в себе нескольких жанров, которые органично переплелись. Каждый при просмотре увидит что-то своё: один отметит лишь удачную «мясорубку», другой — историю любви и дружбы, третий станет размышлять о недостатках тюремной системы, четвертому будет просто любопытно наблюдать за личностными изменениями главных героев…

  9 из 10







Когда наступит конец света
Bis ans Ende der Welt 

Режиссер: Вим Вендерс
В ролях: Solveig Dommartin, Sam Neill, William Hurt, Max von Sydow, Jeanne Moreau
Саундтрек: Talking Heads, Lou Reed, R.E.M., Nick Cave and the Bad Seeds, Depeche Mode, U2 и другие


однажды Вим Вендерс, всегда тяготевший к роуд муви, решил снять UL­TIMATE road-movie. и ему это, конечно, удалось. Режиссерская версия - это 280 минут дороги, протянувшейся в течении пяти лет съемок через 15 городов, 7 стран (в том числе и через Китай, который в съемках фильма отказал, но упрямый вендерс взял да и снял все ручной туристской камерой, а в фильме выдал эти съемки за съемки ручной туристской камерой героини. а впрочем... а, ну да! короче, дальше про фильм). Фильм прошел через 15 прекраснейших городов планеты и Москва, ну конечно же, в их числе), 7 стран и 4 континента. а заканчивается он в космосе, потому что дальше уж некуда. 

в фильм вместилось многое. любовь и смерть, деньги и дружба, неизлечимая слепота и ослепительно прекрасные картины, научная фантастика и обряды диких аборигенов пустыни.  
рассказать сюжет вкратце?
 рассказываю! вкратце, впрочем, не получится, уж это я обещаю.

на экране будущее (для нас прошлое. в смысле, вендерс снимает о 1999 году в 1991, а мы глядим и удивляемся как это он так много угадал). нам всем грозит конец света, все бессмысленно и печально. главная героиня фильма, Клэр - любимая девушка ангелов (Сольвейг Доммартин), рассталась с бойфрендом (Сэм Нейл), изменившем ей с ее лучшей подругой, со своей "сломанной лестницей" как она грустно его называет и едет в никуда. в дороге ее машину сбивает другая машина - придурок итальянец, ограбивший банк, с кучей денег и его молчаливый пожилой товарищ. она чудом остается жива. вместо того, чтобы возневидеть, испугаться, подать иск в конце концов  - она улыбается и молчит. какие иски! конец света близится, индийский спутник, напичканный атомным оборудованием  скоро налетит на земную ось упадет на землю, начнется цепная реакция, недолго нам осталось, братцы. какая уж тут вражда и иски. вдруг становится совершенно ясно, что тепло и любовь нужны людям как воздух. и случайные встречные, вовлекшие друг друга в аварию, начинают дружить и становятся почти родными. они едут дальше вместе, они проследует друг за другом через всю трилогию.



они влюбятся в клэр, 
да и как не любить клэр? она прекрасна в своей открытости, доверчивости, сиськи тоже ничего. даже изменившего ей бойфренда она не ненавидит, бывшую подругу она утешает, она подпевает автомобильному радио - тут отдельная сноска о саундтреке

саундтрек:

перед съемками фильма вендерс обратился к намеченным музыкантам и попросил их о пустяке:
 написать такую музыку, какую они думают они БУДУТ играть в 99 году. они написали и это оказалось настолько крутым, что саундтрек фильма признан лучшим саундтреком 90х. вы там выше видели кто постарался :)

дальше про фильм.

клэр слушает музыку в пути,
 она снимает все подряд на свою туристскую видеокамеру и отсылает эти отчеты экс бойфренду. а он, понимая что потерял, ждет шанса доказать ей свою любовь, вернуть, найти, помочь, сорваться, если нужно и бросить книгу, а он конечно талантливый писатель, а не какой нибудь маляр, и помчаться на другой конец света. клэр же едет все дальше и дальше, а он любит ее все сильнее и безнадежнее.

она сворачивает с проторенных дорог,
 влюбляется в первого встречного (Уильям Херт), а он в нее нет. он ее обманывает, крадет деньги, бросает. она же знает, что это все такая ерунда. не может такого быть, чтобы человек, которого она так любит (вендерс верен себе и закадровый текст, и диалоги полны поэтики и глубокого смысла: "...она была влюблена в возможность своей влюбленности..." - перевожу произвольно, смотрела на немецком), оказался подонком. конечно же она права - ее избранник прекрасен. он тоже в пути, в поиске, вся жизнь его подчинена одной цели - он в погоне за мечтой. поймать, запечатлеть образы, память, лица любимых близких  людей, записать все на специальную камеру-очки, которую изобрел его отец (Maкс фон Сидоу).  записывает он это все для мамы (Жанна Моро) - она слепа и родные решили подарить ей зрение - показать свои лица, лица сестер и родных в россии, венеции, берлине....

записывая картинки для мамы,
 герой теряет сына и жену, голодает, сидит в тюрьме, чинит самолеты, бредет по пустыне, слепнет, но от мысли своей не отказывается и вовремя настигшая его Клэр, ведет его за ручку, исцеляет, помогает и даже записывает за него часть видео-разговоров с родными.



а за ним гонятся разные спецслужбы, наемники, плюс влюбленная клер (от которой он времени от времени отрывается, но ненадолго), за клер следуют ее экс бойфренд, частный детектив, итальянские придурки, ну и так далее. так проходят перед нами герои, в которых трудно не влюбиться, настолько далеки они от идеала, настолько все разные, жалкие и трогательные в своем героизме и любви.


 


вот вы думаете, что звучит это все как бред сумасшедшего. между тем фильм этот прекрасен! такие яркие цвета как в этом фильме, мог снять только вендерс, родившийся и выросший в тусклом, дождливом, сером дюссельдорфе. красный, синий, желтый! все сочное, яркое, от этих кадров веет теплом и жизнью. расцветом жизни и закатом цивилизации.

фильм провалился в прокате, вызвал возмущение критиков и тяжелые вздохи спонсоров. режиссеру не разрешили оставить весь отснятый материал, рассудив, что от четырех часов зритель сойдет с ума. и очень жаль, что не разрешили. потому что я смотрела этот фильм дома на ноуте и могла только догадываться о том, как грандиозно это выглядело бы на большом экране.

я тут достаточно настукала спойлеров, поэтому концовку рассказывать не стану. скажу только, что клэр в финале фильма находится в космосе, все с той же загадочной женственной улыбкой смотрит на голубую планету, где живут те, кого она так любит, а экс бойфренд ее и возлюбленный .... а впрочем, нет, не буду рассказывать. да и главное тут конечно не в любовном треугольнике как таковом, а в атмосфере красоты жизни и ожидаемости смерти, каковая (ожидаемость) придает жизни особую красоту и яркость.
 
тут я закругляюсь, тк. умных мыслей совсем нет и писть больше не о чем. спасибо за внимание, это была, кажется, моя первая рецензия тут у вас, попрошу сильно не ругаться, если что не так.

зы а еще в фильме изящно, убедительно, местами впрочем очень даже отвратительно (сцены ломок клэр в клетке в пустыне в центре "нигде", крики, искаженные лица, рыдания, мертвое безразличие, сухие колючки, кровавый плащ) пугающе сталкиваются Картины и Слова. что победит: кино или книги? по вендерсу - кино, смутные яркие картинки, воплощающие чьи то сны и мечты (dreams) сводят с ума и делают людей наркоманами, вылечить которых можно только печатным словом, книгой написанной кровью сердца и болью души. ну это так - мои прозрения.  может и нет такого столкновения. кто смотрел - пусть выскажется. а кто еще не видел этот фильм, тот, я считаю, многое потерял.






<img hspace="10" height="352" border="5" align="left" width="300" vspace="5" alt="" src="http://st3.kinopoisk.ru/im/kadr/1/0/0/kinopoisk.ru-Psycho-1002377.jpg" />Когда старина Альфред устал снимать высокобюджетные фильмы, в его сознании проскользнула мысль: "а не снять ли мне экспериментальное кино, но которое будет в своем роде культовым?" И снял же! И удалось же!  Не стал приглашать звезд на главные роли. Потратить меньше миллиона долларов в бюджет, при этом получить сборы 40 раз больше - это просто фантастика. Про сюжет лучше вообще умолчать, поскольку в фильмах Хичкока его противопоказано знать заранее. Вкратце - девушка крадет большую сумму наличных у своего работодателя и уезжает из города, потом попадает в странный мотель...<br />Отмечу пару сцен для интриги - это сцена убийства главной героини в душе и сцена, когда сестра героини в конце фильма спускается в подвал. Многим режиссерам со всем своим современным оборудованием не удается добиться того, чего Хичкок добился подручными средствами. Все выглядит очень натурально. Действительно при просмотре испытываешь, если не ужас, то легкий дискомфорт.<br /><br /><lj-cut text="несколько интересных фактов под катом"><em>*Для записи звука ножа, проникающего в человеческую плоть, был использован звук ножа, пронзающего кассабу (зимнюю дыню).</em><br /><em>*После выхода фильма на экраны Альфред Хичкок получил гневное письмо от отца девушки, которая отказывалась принимать ванну, после того как она посмотрела «Дьяволиц» (1955), а после «Психо» — отказывалась принимать душ. Ответ Хичкока был следующим: «Отведите её в химчистку».<br />*Несмотря на факт, что весь фильм черно-белый, несколько зрителей утверждали, что в сцене в душе кровь была красного цвета. Очевидно, что такое утверждение не может быть правдой, потому что, во-первых, фильм черно-белый; а во-вторых, в качестве крови был использован шоколадный сироп.<br />*Сцена убийства в душе продолжается всего 45 секунд, но для её съёмок было использована около 70 разных планов камеры.</em></lj-cut>



Это уже четвертый подряд фильм Мартина Скорсезе, в котором главную роль играет Леонардо ди Каприо. И, по первым впечатлениям, наиболее удачный фильм из этой серии!
Скорсезе сделал шедевр постмодернистского кино. Эдакая карусель, где зрителя постоянно сбивают с толку - что правда, а что - обман? Этот сюжетный ход, казалось, порядком поднадоел и набил оскомину. Ан нет же - в этом фильме Скорсезе этот сотню раз испытанный прием смотрится просто великолепно и свежо, прямо как в "Расёмоне". Жанр фильма - психологический триллер.

А сюжетец просто великолепно подходит для постмодернистской карусели.
Федеральный маршал (персонаж Ди Каприо) прибывает инспектировать закрытую психлечебницу-тюрьму для опасных преступников. Он давно подозревает, что на этом объекте проводятся незаконые эксперименты над человеческой психикой, людей превращают в зомби. Он желает добыть доказательства, что бы вывести эту контору на чистую воду. Но не тут то было - похоже, что его заманили в ловушку, прознав, что он копает под это заведение. Его предупреждают - заведение само сделает из него психа, что бы нейтрализовать.
И вот перед зрителем предстает альтернативная сюжетная линия - персонаж Ди Каприо - это сам тяжелый псих и преступник, который давно сидит в этом заведении. И вся история с федеральным маршалом - это его бред. Или не бред, а его напичкали препаратами и подставили? Его действительно превратили в психа?

Козырь этого фильма в том, что обе эти версии в равной степени вероятны (или сомнительны). Скорсезе блестяще выдержал равновесие между этими двумя правдами, не допустив явного перевеса ни в чью сторону. В итоге - красивейший образец постмодернистского "плюрализма правды". Прямо как в "Расёмоне"!

Плюс еще фильм очень ярко постален. Иногда кажется, что по жанру это настоящий фильм ужасов. Динамика фильма превосходная, но это уж совсем дело вкуса. А вообще конечно, зрелище, не из легких. Тяжелое, мрачное кино.





Один из самых недооцененных фильмов последних 5 лет. Запутанная, но законченная история, сплетенная в одно целое шикарнейшим монтажом, стильными эффектами и добротной актерской игрой.
 
Путешествие в депрессивный, отчаянный и злой мир одинокой души, отлично сыгранной Райаном Гослингом. Тот случай, когда персонаж идеально подходит исполнителю, или наоборот.
 
 
Находящийся на грани помешательства студент Генри Лезем рассказывает психиатру Сэму Фостеру о том, что покончит с собой в субботу в полночь. Не желая допустить гибели Генри, Сэм решает сделать все от него зависящее, чтобы избавить парня от навязчивой идеи.

Он отправляется вместе с ним в путешествие по городу, в ходе которого и сам постепенно начинает погружаться в кошмарные иллюзии пациента, вместе с ним балансируя на тонкой грани между жизнью и смертью…

Рациональность всего происходящего теряется с каждой минутой просмотра, в голове крутиться не меньше 5 объяснений всех странностей. Надрессированным в боях с фильмами Линча и Кубрика, символы в фильме предстают в смеси зубодробительного бреда и обрывков реальности, но все оказывается много проще. В первую минуту после просмотра это разочаровывает, но быстро отпускает.

Стильный, эффектный, атмосферный, мрачный и загадочный почти шедевр.
 
 




ЯДЫ, ИЛИ ВСЕМИРНАЯ ИСТОРИЯ ОТРАВЛЕНИЙ. Карен Шахназаров. Россия. 2001

Наверное, не стОяло бы писать об этом фильме, если бы не личность режиссера. Карен Шахназаров один из лучших режиссеров позднего советского, и раннего постсоветского периода, автор картин, которые, в свое время, становились Событием, и которые не потеряли свою актуальность до сих пор. Он прекрасно чувствовал Дух времени и умел запечатлеть его на кинопленке, благодаря чему, на свет появились такие картины, как «Мы из джаза», « Курьер», «День полнолуния» и др. Даже в его ранней (третьей, если не ошибаюсь) работе «Добряки», заметен незаурядный талант автора. Лучшие его картины наполнены искрометным юмором, светлой иронией, и теплым, трепетным отношением к своим героям.

  Еще одной особенностью творческого стиля Шахназарова является то, что он принадлежит к тому редкому типу режиссеров, которые не имеют характерного «почерка». Его ленты, зачастую, совершенно разные, им не присуща та оригинальная «узнаваемость», по которой без труда можно распознать, к примеру, работы Тарковского, Сокурова, Муратовой или Данелии. Такое качество, конечно же, не самоценно, к тому же вынуждает держаться, по большей части, в рамках того или иного жанра. Зато оно наделяет деятельность автора известного рода интригой – всегда любопытно, что же этакое он представит нам в этот раз.

  «Яды…», в этом смысле, тоже не стал исключением. Исключением он стал в творческой биографии режиссера. В том смысле, что ляпнул на нее исключительно ядовитым, бесформенным пятном. Если условно сравнить фильм с живописным полотном, то он похож на холст, который бесталанный художник раскрасил как попало, наплевав на правила композиции, цветовых сочетаний, светотени и т.д. Можно подумать, что фильм наспех сварганили незадачливые студенты ВГИКа, которых смеха ради, запустили в студию Мосфильма, настолько удручающее впечатление он производит. 

  Собственно говоря, картина была обречена на провал еще на сценарной стадии, но, возможно, оставалась слабая надежда, что беспомощный сценарий хоть в какой-то степени компенсируют исполнительское мастерство актеров, работа художников или какие-то озарения главного режиссера в процессе съемки. Увы, ничего похожего, к сожалению, не произошло. Может быть, лишь в самом начале прозвучал, показалось, отголосок бытового абсурда в духе Хармса, словно из «Города Зеро», когда персонаж Баширова явился к соседям с авоськой фарша «посидеть по-соседски», а потом вдруг заперся с женой главного героя в ванной «поговорить». Но ожидания не оправдались, продолжения в том же ключе не последовало. Тоскливое предчувствие появилось, как только эта самая жена открыла рот. Признаться, более «деревянной» игры я, пожалуй, и не припомню. Во всяком случае, в фильмах режиссеров такого уровня. Все свои монологи эта, с позволения сказать, актриса, произносила так заучено и фальшиво, словно училка младших классов школьную программу. Другие актеры немногим лучше. Даже Олег Басилашвили, каким бы талантом и профессионализмом он не обладал, и он растворился в безликом пространстве картины. Один лишь Андрей Панин остается верен самому себе, потому как он величина неизменная и почти символическая. Он такой же, как всегда и везде. И в роли Борджиа-младшего он выглядит точно так же, как в роли «нового русского» в «Бригаде».

  Апофеозом безвкусицы и беспорядочности постановки явилась нелепая инсценировка бала мертвецов-отравителей, а-ля булгаковский «бал сатаны». Я понимаю, что это задумывалось как фарс, пародия (как и вся лента якобы комедия), но, право, как же убого и ни грамма не смешно смотрится это сборище гламурных педерастов в клоунских костюмах. 

  Можно, конечно, попытаться обозначить причины, послужившие появлению такой безыскусной халтуры из рук заслуженного деятеля. Но такая попытка неизбежно приведет к необходимости углубиться в те глобальные общественные, исторические и социо-культурные процессы, из мутных вод которых, в конце концов, всплывет столь же глобальный вопрос: отчего вообще «новое русское» кино, такое унылое говно? И у «молодой шпаны», и у «старой гвардии»? А это уже несколько выбивается за рамки данной заметки. Посему ограничимся спасительным абстрактно-формальным предположением, что у маэстро с приходом нулевых наступил, неотвратимый как климакс, творческий кризис. Благополучно продолжающийся до сих пор, и на счет которого можно отнести и посредственную, невыразительную «Исчезнувшую империю» - очередной клишированный ностальгический гимн шестидесятым, и использование русской классики в качестве сюжетных костылей в «Палате №6». Пора, давно пора подумать о торжественном уходе со сцены, «Маэстро, врежьте туш!» (с)

  Но тут Карен Георгиевич, вторя БГ, может с полным правом скорбно воскликнуть: «Где та молодая шпана, что сотрет нас с лица земли? Ее нет, нет, неееееет…»





В библиотеке случайно наткнулась на фильм Марлена Хуциева «Мне двадцать лет» (1964). На обложке диска стояло: «специальный фильм жюри на Венецианском кинофестивале в 1965 году». Я об этом фильме даже и не слышала, поэтому, особо не раздумывая, я остановила выбор на нем, мне было интересно, что это за фильм, и захотелось тут же его посмотреть. Уже после первых минут просмотра у меня создалось впечатление, что этот фильм снят совершенно нетипично для советсткого кино. 60-ые годы. Ты окунаешься вместе с героями фильма в жизнь Москвы того времени, прохожие, идущие по улицам, ведут себя довольно естественно: разговаривают, останавливаются, смотрят в камеру, а потом идут дальше. Главные герои фильма гармонично вливаются в толпу прохожих. В фильме рассказывается о жизни трех друзей, ничего особенно с ними не происходит. Они живут, работают, влюбляются, разговаривают обо всем, размышляют о смысле жизни, дружбе, любви. Мне очень понравился момент, когда ребята идут молча, и слышатся мысли каждого. В тот самый момент я начала слышать свои мысли, задумалась о том, каким должен быть человек в двадцать лет, каким должен он быть в более старшем возрасте, о чем он должен задумываться, куда стремиться. Сложно дать точный ответ на эти вопросы, так же и герою фильма нелегко найти ответы на свои вопросы.
P.S.
1) В середине второй части фильма я узнала Андрей Тарковский в одном из героев. Он, как и Андрей Кончаловский, снялся в эпизодической роли. Увидеть его в этом фильме — я никак не ожидала.

2) Оказалось, что первое название фильма - "Застава Ильича"

Афиши этого фильма и кадр из фильма






три друга





  В пятницу 2 апреля телеканал «Культура» накормил зрителей очередной порцией антисоветской тухлятины – под радостный визг либеральной публики «эхомосковского» розлива на экраны вышел фильм польского режиссёра Анджея Вайды «Катынь».

 

  С первых же кадров режиссёр абсолютно безапелляционно заявил свою антисоветскую позицию. Действие фильма начинается 17 сентября 1941 года. Не 1 сентября, когда Германия напала на Польшу и началась Вторая мировая война. А в тот день, когда на территорию разбитой Польши вступили части Красной Армии, чтобы занять территорию Западной Украины и Западной Белоруссии, не допустить захвата этих территорий гитлеровцами и, таким образом, спасти население этих территорий от физического уничтожения.

  Показательна сцена на мосту. Встречаются две главные героини; одна вместе с дочкой пешком бежит от немцев, вторая – жена генерала – на машине едет ей навстречу. Генеральша пытается предостеречь и в ужасе произносит: «Туда нельзя – там русские!!!»

  В этом эпизоде сразу же раскрывается ложь Вайды. Ведь он ни слова не сказал о том, что предшествовало вступлению частей Красной Армии на территорию Польши. Не сказал, что в результате мюнхенского сговора 1938 года Польша отхватила у Чехословакии Тешинскую Силезию. Не сказал, что в 1939 году польское правительство отказалось пропустить через польскую территорию части Красной Армии в случае необходимости нанести удар по германской армии. Не сказал, что союзники и покровители Польши – Англия и Франция – летом 1939 года сорвали создание антигитлеровской коалиции, а затем предали Польшу, отказав ей в защите. Не сказал о том, что в течение двух недель после нападения немцев польская армия была разбита, польское правительство сбежало в Лондон, а Польша как государство перестала существовать. Что гитлеровская армада двигалась на Восток и, не встреть преграду, оккупировала бы территорию Западной Украины и Западной Белоруссии, в своё время захваченную Польшей.

  И, разумеется, «позабыл» Вайда сказать о более чем двадцати тысячах замученных в польских концлагерях красноармейцах, захваченных в плен в ходе советско-польской войны 1921 года, когда шакалы Пилсудского напали на ослабленную гражданской войной и интервенцией молодую Советскую Россию.

  Не сказал режиссёр и о том, что при освобождении Польши от фашистов погибли 600 тысяч советских солдат. Ни слова благодарности не услышали мы от старика Вайды.

  В каждой сцене фильма «Катынь» ненависть к Советскому Союзу, к советским, к русским. Советские военнослужащие изображены недочеловеками, извергами. Издеваются над польским гражданским населением почище немцев. Один лишь нашёлся порядочный человек – сыгранный Сергеем Гармашем капитан. Да и то показано так, что, дескать, советский человек мог быть порядочным, лишь будучи предателем по отношению к собственной стране.

  Что касается расстрела польских офицеров в Катыни, то режиссёр не утруждает себя доказательствами. В фильме просто априори проводится мысль: «Как известно, польских офицеров убили Советы». То есть, в фильме озвучивается версия комиссии Геббельса. Видимо, бесноватый гитлеровский подручный для Вайды ближе, нежели те, кто освободил его родину.

  Показательно отношение режиссёра к тем полякам, кто встал на сторону новой, народной власти. Эти люди показаны предателями Польши, единственный выход у них – застрелиться от угрызений совести. Сколько нескрываемой ненависти в сцене, когда бывшая служанка приезжает к генеральской вдове, чтобы отдать саблю её погибшего мужа. Как же, разве может прислуга быть ровней благородной пани?! Враги новой власти изображаются сплошь ангелами, которых целенаправленно уничтожают красные оккупанты.

  Итак, фильм Анджея Вайды «Катынь» – антисоветский, лживый и подлый. Разжигает ненависть и вражду между российским и польским народами. Призы зарубежных кинофестивалей и радостный визг местных либералов – лучшее тому подтверждение.




Я люблю яблоки, черешню, вишню

Маленький мальчик бумажку нашел,
С этой бумажкой он в тубзик пошел,
Долго смеялась над ним детвора,
Эта бумажка наждачной была.

“Детская преступность” и “поповское мракобесие” – два бича современного общества и тема очередного шедевра Киры Муратовой “Мелодия для шарманки”.

 



Удел большинства беспризорников – попрошайничество и мелкое воровство. Но не от хорошей жизни Никита и Алена грабят богатых сограждан. Их мать-одиночка умирает. Отцы-алиментщики растворяются в глубинах камер-хранения и подземных переходов. Попечительский совет желает разлучить бедолаг. УО Никита должен ехать в спецзаведение Полтавы. Его сводная сестра с признаками олигофрена Алена – в Кременчуг. В поисках пап питомцы бегут из интерната и прибывают на вокзал города-героя Киева. Но еще до вокзала их как злостных зайцев высаживают контролеры. Банда других беспризорников грабит сирот дочиста. Денег у них - нет, а кушать хочется.






С первых кадров перед нами во всем блеске – Кира Муратова. Фирменные метки: повторение фраз, бесконечные близнецы, чавкающие старицы и идиотизм украинского говора обозначают дорогу от Рождества к Успению. У Муратовой цирк с огнями засверкал особенно ярко после “Астенического синдрома”. Рождение ее как автора справедливо увязывают с “Короткими встречами”. Однако, “крамолу” можно было заметить (но, к счастью не заметили) в безобидном дебюте “У крутого яра”. В дипломной работе вместе с мужем Кира крутила дули в кармане, но никто не обратил внимания. Слишком причудлива для колхозной повести уже вторая мизансцена дебютной картины. Убийца волчиц ведет беседу со слепцом об особенностях восприятия мира. Каково? Во втором совместном фильме “Наш честный хлеб” на танцах уже пляшут клоны, а колхоз “Добрый путь” растягивается в похоронной процессии.

“Мелодия для Шарманки” – нашпигована аллюзиями на старые муратовские фильмы как фаршированная рыба яйцами и луком. Красный попугай, рвущийся из клетки на волю, прилетел прямо из “Долгих проводов”. Безотцовщина и сиротство болит и жалуется в таких картинах как “Долгие проводы” и “Три истории”. Плакаты в магазине, куда попали Никита и Алена, рекламируют героев фильма “Два в одном”. Этическое родство кинолента обнаруживает с кинолентой “Ивана Сидорова” “Среди серых камней”. Мама здесь тоже умирает. Мальчик Вася оказывается в толпе оборванцев, а девочка Маруся издыхает в люлечке. “Мелодия” похожа на 20-ую часть сериала длиною в жизнь. Лишь актеры бродячего театра кочуют по вселенной Киры Муратовой из прошлого в грядущее.

Помимо Ромы Бурлака и Лены Костюк, исполнивших главные роли, в фильме задействован спецотряд из бывалых бойцов. Леонид Кушнир Рената Литвинова, Георгий Делиев, Олег Табаков, Наталья Бузько, Жан Даниель и Нина Русланова наступают на главных направлениях. На подхвате воюет партизанская армия из актеров и пешеходов.

Если актерский состав - довольно традиционен, то визуальный ряд отличается даже от фильмов 90-х. Немалая заслуга в этом принадлежит оператору Владимиру Панкову. Панков дебютировал у Муратовой еще в “Астеническом синдроме”. Он же снимал “Два в одном”. И в “Мелодии”, и в “Два в одном” заметен акцент на вертикальном панорамировании. Зато почти пропали чарующие повторы одной сцены, снятой с разных ракурсов, столь свойственные операторской манере Геннадия Карюка в “Долгих проводах” и “Коротких встречах”. Повторы придавали тем кинолентам некий налет документальности. Тогда как камера Панкова подчеркивает театральную, цирковую интонацию “Мелодии” и дистанцируется от раннего муратовского “реализма”. Сценарий, как всегда основательно переработанный Муратовой, написал яркий автор Владимир Зуев.

Картина вызвала волну негодования среди первых зрителей. Что я могу сказать? “Аналогичный случай был в Крыжополе. Одному зуб вырвали. Так вiн и помэр”.

Вопреки расхожему мнению “Мелодия для Шарманки” – это не укоризна зажравшейся буржуазии, а чистейший маньеризм, черпающий наслаждение в страданиях бедняков. Режиссер не стесняется и смакует прелести классового общества. Елка с “запахом мочи”, зловонная нищенка и торговля ножами – мир сирых и убогих. Пачки евро, фрейлин Литвинова в енотовом салопе и зал повышенной комфортности, где нет места ветеранам НКВД, – мир богатых и нарядных. Кира Григорьевна дурачит доверчивого зрителя, вызывая в нем бурю смешанных эмоций.

Ревнители нравственности могут сколько угодно серчать и топтать шапку. Точнейший барометр – реакция зрительного зала. На премьере фильма на ММКФ никто не рыдал, зато сдавленного смеха было предостаточно. Ключик к поэтике Киры Муратовой подобрала Зара Абдуллаева: “…образ гедонистических, действенных, говорливых, оглушающих, парализующих внимание, понимание и визуально не окрепших 90-х. Так проявлялась трансгрессия в (под)сознание (человека, времени, места), дразнящая свободной от любых условностей режиссурой.” Слова о 90-х можно в полной мере отнести и к нулевым.

Ложное сердоболие и самобичевание – ловушка, в которую попадают неискушенный зритель. На самом деле, эстетика Муратовой лежит по ту сторону добра и зла. Вот, что говорит сам режиссер по этому поводу: “…Вам кажется, что нищий всегда мрачен? Ничего подобного. Ничего такого, что мы себе напридумывали, он не чувствует” . И далее: “…На всех жалости не хватит” . Наивно думать, что Муратова призывает к целомудренной жизни, а тем более борется в одиночку с капитализмом. Немного найдется художников, которое так много выиграли от крушения CCCР как Кира Георгиевна: “…После перестройки наступил солнечный период. “Астенический синдром”, “Перемена участи” — фильмы, снятые в райском, эйфорическом состоянии. То есть мне сказали, оказывается, ты совсем не дрянь, а супер какая замечательная. И к тому же деньги давали без возражений” .

“Мелодия для шарманки” – не только социальная травестия, но и пародия на святочный рассказ. В качестве литературных аналогов можно припомнить такие вещи как “Мальчик у Христа на елке” Достоевского, где “наутро, дворники нашли маленький трупик забежавшего и замерзшего за дровами мальчика”, “Рождество” Дюрренматта, где странник находит мертвого Христа-младенца, “Девочка со спичками” Андерсена, где девочка замерзает, мечтая о жареном гусе с черносливом и яблоками.

Однако, Муратова идет здесь дальше святочного рассказа и играет в Святое Писание. Повествование становится для главных героев лестницей на Голгофу, где ступеньками выступают библейские цитаты и христианские символы. Торговец в электричке предлагает пассажирам открытку с названием “Избиение младенцев воинами царя Ирода”. Пространственно-временной континуум картины начинается Рождеством, а заканчивает Успенском переулком. Нищий в депо цитирует слова Сына из пророческой беседы на горе Елеонской и Послание Святого Апостола Иакова. Отец Алены – Алексей Богданов. Иначе говоря - “Тот, Кто дан Богом”. Алексей – по древнегречески значит “защитник”. В сцене у справочного бюро Никита проявляет странную настойчивость. Насколько раз Он требует, чтобы Его громогласно признали Сыном Богданова, хотя это не его Отец. Посторонний ребенок декламирует по сотовому стихотворение Плещеева: “Был у Христа-младенца сад”.



Кто же такая Алена? Кем в этом свете является Никита? Сыном Божиим? Глашатаем Бога? Или просто самозванцем?

Трактовка этого образа зависит от веры зрителя. Можно увидеть здесь путь Христа, с первых шагов обреченного на крест. А можно узреть иронию автора над верующими, упорствующих в пустых обманах. Муратова неоднократно повторяла, что она – атеист. Есть все основания думать, что восхождение Никиты на Голгофу чердака есть пища для художественного бурлеска, но никак не для христианского манифеста. Подобное шутливое цитирование Библии встречается, например, в лентах “Письмо в Америку” и “Среди серых камней”.

Если и есть религия в этом фильме, то это новое язычество, где верховным божеством назначен желудок. Католическая церковь исключает гортанобесию из списка грехов. В стране возрождаются традиции изысканного обжорства. “Мелодия для шарманки” соперничает с пиром Тримальхиона у Петрония и с “Большой жратвой” Марко Феррери.

Как у Андерсена, у Киры Георгиевны голодные Никита и Алена смотрят сквозь морозное окно на жирного гуся. Перед их глазами проносят бисквитные торты. Булки валятся на снег, но уплывают из-под носа. Запах хлеба одуряющее прекрасен. В украинском шинке и на вокзале – пища проста: жаренный цыпленок или гамбургер. Зато шведский стол украшен наваристым гуляшем и рассыпчатой картошечкой со шкварками. А как богаты прилавки гипермаркета! Здесь можно купить круассаны и штрудели, эклер и шантильи с заварным кремом, марципановые тарталетки и фисташковый милле-фолле.

“Эти огурцы маринованные или соленые?”, - вопрошает Алена. Какая разница? Эти огурцы ей все равно не достанутся. Это - добыча элегантных клептоманов. А вообще-то клептоманы предпочитают хороший коньяк, мягкий сыр и чешскую бехеровку. В то время как старушки любят яблоки, черешню, груши, малину, клубнику, сливу, абрикосы, апельсины и арбузы.

Виноград – не любят. От него – изжога.























 






22:33

Здравствуйте. Хочу поинтересоваться у членов сообщества, известно ли им что-либо о фильме Йозефа Фильсмайера "Густлов". Выйдет ли он на наши экраны?



Откровенно невинно.

Как ни парадоксально бы это не звучало, но кинокартина «Горбатая гора» — фильм о любви. И любовь здесь показана, на мой взгляд, идеально. Уверен, немного подумав, многие из вас обнаружат, что этот фильм является лучшей мелодрамой нынешнего века… Наверное мне стоит к ним присоединиться.

Думаю, я не стану первым, сказав, что картина «Горбатая гора» рассказывает нам историю не про геев, нам повествуются жизнь мужчин, жившими своими чувствами. Именно они и поддерживали главных героев от августа до ноября, от ноября до августа на протяжении долгих 16 лет. Это были года, наполненные страхом разоблачения, но в то же время и счастьем, которое длилось в течение их кратковременных, тайных встреч. Они не могут быть вместе, у них просто нет на это права, ведь мы считаем, что любовь мужчин — это отклонение от нормы.

Знаете, реакция на это кино может быть разной, для кого-то эта кинокартина разрушит все сложившиеся взгляды на любовь, перевернет всё мировоззрение, оставив в душе пустоту, кто-то будет сетовать на несправедливость мира, где хочется плакать над безысходностью главных героев. Другой же скажет, что «Горбатая гора» — простая мелодрама, в конце которой можно пролить две-три слезинки и, выключив, заниматься обычными делами. Ну а некоторые, обладающие не особо развитым интеллектом, просто скажут: «Мерзость».

Что она означает, мужская любовь? На этот вопрос ответить я могу, опираясь исключительно на данную киноленту. Грубая, лишенная всяких нежностей и порой жестокая, никаких лишних слов. За весь фильм, если я не ошибаюсь, фраза «я люблю тебя» не прозвучала ни разу. Но все, что показано в «Горбатой горе» значит даже больше, чем это ставшее бездушной, обыденной фраза. Люди просто забыли об ее значении. Быть может, режиссер и эту проблему затронул в фильме? А впрочем, неважно, в любом случае, это не является основным вопросом этого фильма.

Кратко о том, что мне еще запомнилось. Блистательная игра актеров, великолепная музыка, необыкновенно чистая атмосфера, которая, несмотря на изрядное количество откровенных сцен, оставляет фильм таким же чистым и невинным, ну и изумительные по своей красоте пейзажи.

Если честно, меня на слезу не пробило, но, тем не менее, хороший фильм.





 

Международный фестиваль
актуальной анимации
и медиа-искусства «LINOLEUM»
и «Анимационное Сообщество» представляют


Избранные работы европейских аниматоров.

Ретроспектива фильмов класса анимации
Школы Искусств Кассельского Университета.

Уникальность этой анимационной
школы состоит в том, что она занимается созданием именно художественной,
"fine art" анимации, а не кинопродукта. Эта институция стала широко известна,
прежде всего, благодаря двум "Оскарам", полученным за анимационные фильмы 
"Balance" братьев Лоэнштайн  (Lauenstein brothers) в 1990
и "Quest" Томаса Стелмаха (Thomas Stellmach)
и Тайрона Монтгомери (Tyron Montgomery) в 1997.

А так же несколько работ современных французских
и австрийских аниматоров включая легендарный «Fast film».


«Fast film»( Австрия — Люксембург, 2003) - это путешествие в историю
кинематографа, начиная с немого до современного Голливуда,
которое вряд ли могло бы быть более динамичным.
«Фаст Фильм» рассказывает достаточно простую историю.
Идея в том, что все сцены были взяты из 300 различных сюжетов,
снятых за всю историю кино, эти сюжеты показывают,
как меняются людские кумиры со временем.
То, что отличает «Фаст Фильм» от других это необычная
технология производства. Было задействовано не менее
65 000 бумажных снимков. После того, как из них были склеены
тысячи различных объектов, таких как самолёты и поезда,
которые составили общую панораму, все они были сфотографированы
на цифровую камеру и кадр за кадром перемещены в компьютер.
По меньшей мере 3 плана: задний план, передний план
и промежуточная зона составляют каждый кадр. В отдельные эпизоды
входит до 30 зрительных образов. Это путешествие в историю кинематографа,
начиная с немого кинематографа до современного Голливуда,
длится только 14 минут: действительно быстрое кино,
которое вряд ли могло бы быть более динамичным.

Стоимость билета 200 рублей.
Наш адрес: ЦСИ ВИНЗАВОД, м. Курская, Чкаловская,
4-й Сыромятнический переулок, дом 1, стр. 6
телефон: +7 (495) 782-5187
www.tvorchmaster.ru






 

Международный фестиваль
актуальной анимации
и медиа-искусства «LINOLEUM»
и «Анимационное Сообщество» представляют


Избранные работы европейских аниматоров.

Ретроспектива фильмов класса анимации
Школы Искусств Кассельского Университета.

Уникальность этой анимационной
школы состоит в том, что она занимается созданием именно художественной,
"fine art" анимации, а не кинопродукта. Эта институция стала широко известна,
прежде всего, благодаря двум "Оскарам", полученным за анимационные фильмы 
"Balance" братьев Лоэнштайн  (Lauenstein brothers) в 1990
и "Quest" Томаса Стелмаха (Thomas Stellmach)
и Тайрона Монтгомери (Tyron Montgomery) в 1997.

А так же несколько работ современных французских
и австрийских аниматоров включая легендарный «Fast film».


«Fast film»( Австрия — Люксембург, 2003) - это путешествие в историю
кинематографа, начиная с немого до современного Голливуда,
которое вряд ли могло бы быть более динамичным.
«Фаст Фильм» рассказывает достаточно простую историю.
Идея в том, что все сцены были взяты из 300 различных сюжетов,
снятых за всю историю кино, эти сюжеты показывают,
как меняются людские кумиры со временем.
То, что отличает «Фаст Фильм» от других это необычная
технология производства. Было задействовано не менее
65 000 бумажных снимков. После того, как из них были склеены
тысячи различных объектов, таких как самолёты и поезда,
которые составили общую панораму, все они были сфотографированы
на цифровую камеру и кадр за кадром перемещены в компьютер.
По меньшей мере 3 плана: задний план, передний план
и промежуточная зона составляют каждый кадр. В отдельные эпизоды
входит до 30 зрительных образов. Это путешествие в историю кинематографа,
начиная с немого кинематографа до современного Голливуда,
длится только 14 минут: действительно быстрое кино,
которое вряд ли могло бы быть более динамичным.

Стоимость билета 200 рублей.
Наш адрес: ЦСИ ВИНЗАВОД, м. Курская, Чкаловская,
4-й Сыромятнический переулок, дом 1, стр. 6
телефон: +7 (495) 782-5187
www.tvorchmaster.ru




КИНО НЕЖНОСТИ И БОЛЕВОГО ШОКА

50.71 КБ

Драма «Молоко скорби» — хороший пример того, как даже маленькие, бедные страны могут утвердиться благодаря художественным достижениям. Фильм Клаудии Льосы, в прошлом году награжденный «Золотым Медведем» в Берлине, а этой весной — номинацией на «Оскар» в категории «Лучший иностранный фильм», фактически нанес Перу, где был снят, на мировую кинематографическую карту.

Клаудия Льоса родилась в Лиме, она — племянница известного писателя Марио Варгаса Льосы. Окончила отделение кинофакультета массовых коммуникаций университета Лимы, училась в Нью-Йорке и Мадриде, работала в Барселоне в рекламной индустрии. В 2006-м сняла первый полнометражный фильм «MADEINUSA», награжденный на нескольких международных кинофестивалях, а «Молоко скорби» (2009) — ее вторая полнометражная работа.
История здесь не только грустная, но и в определенной степени ирреальная. Молодая индианка Фауста (Магали Сольер) с молоком матери впитала панический страх перед окружающим миром. Мать изнасиловали во времена правления в Перу авторитарного режима, который за 1990—2000 годы расправился с десятками тысяч человек. Чтобы не повторить мамину судьбу, героиня держит в интимном месте картофелину, которая должна служить щитом при попытке изнасилования. Картофелина живет своей жизнью и даже прорастает. А Фауста старательно избегает любого контакта с окружающим миром.

Льоса делает кино очень простыми и точными средствами. Пейзажи — нищее предместье Лимы, а также богатое имение, где Фауста работает служанкой. Герои — в основном семья девушки, знакомые, друзья, тоже бедные, но искренние в своих чувствах люди. Серые, запыленные улицы, облезлые здания, и посреди этого — смешные, ослепительно яркие праздники, свадьбы и дни рождения. Бравурная музыка наивных торжеств соседствует с печальным пением Фаусты, которая сочиняет целые поэмы просто на ходу, импровизируя мелодии и стихотворения. Хотя в фильме хватает очень грустных и трогательных моментов, Льоса не опускается до мелодрамы: все эмоции правдоподобны, все ситуации строятся по законам художественной логики. К тому же Магали Сольер не только завораживающе красива, она еще и феноменальная актриса: совмещая открытую эмоциональность с тонкой, изобилующей психологическими оттенками игрой, она поднимает Фаусту до уровня трагической героини.
Мы следим за ее попытками избавиться от страха, переживаем, удастся ли ей похоронить свою мать по-человечески (пока не накопит денег, хранит ее тело просто в комнате — еще одна почти сюрреалистическая деталь), — и в то же время визуальная среда фильма почти незаметно окутывает нас, наполняет непритязательную историю богатейшей символикой. В конечном итоге понимаешь, что смотришь сказку, легенду, обладающую смысловой емкостью эпоса: через судьбу одной девушки просматривается судьба целого народа, так же, как благодаря режиссерским находкам Льосы становится понятным одно из возможных направлений развития латиноамериканского кино. Сочетание социальной, бытовой конкретики и красоты каждого кадра, нежности и грубости, лирики и болезненной исторической памяти — это тот стиль, который могут наследовать режиссеры нового поколения, и не только в Южной Америке.

Такой фильм, кажется, создать просто, однако, кроме таланта, необходимо иметь особенную открытость восприятия даже привычных, самых будничных или ужасающих реалий. Именно благодаря такой, на грани болевого шока, чувствительности и рождается настоящее кино.

Дмитрий Десятерик



КИНО НЕЖНОСТИ И БОЛЕВОГО ШОКА

50.71 КБ

Драма «Молоко скорби» — хороший пример того, как даже маленькие, бедные страны могут утвердиться благодаря художественным достижениям. Фильм Клаудии Льосы, в прошлом году награжденный «Золотым Медведем» в Берлине, а этой весной — номинацией на «Оскар» в категории «Лучший иностранный фильм», фактически нанес Перу, где был снят, на мировую кинематографическую карту.

Клаудия Льоса родилась в Лиме, она — племянница известного писателя Марио Варгаса Льосы. Окончила отделение кинофакультета массовых коммуникаций университета Лимы, училась в Нью-Йорке и Мадриде, работала в Барселоне в рекламной индустрии. В 2006-м сняла первый полнометражный фильм «MADEINUSA», награжденный на нескольких международных кинофестивалях, а «Молоко скорби» (2009) — ее вторая полнометражная работа.
История здесь не только грустная, но и в определенной степени ирреальная. Молодая индианка Фауста (Магали Сольер) с молоком матери впитала панический страх перед окружающим миром. Мать изнасиловали во времена правления в Перу авторитарного режима, который за 1990—2000 годы расправился с десятками тысяч человек. Чтобы не повторить мамину судьбу, героиня держит в интимном месте картофелину, которая должна служить щитом при попытке изнасилования. Картофелина живет своей жизнью и даже прорастает. А Фауста старательно избегает любого контакта с окружающим миром.

Льоса делает кино очень простыми и точными средствами. Пейзажи — нищее предместье Лимы, а также богатое имение, где Фауста работает служанкой. Герои — в основном семья девушки, знакомые, друзья, тоже бедные, но искренние в своих чувствах люди. Серые, запыленные улицы, облезлые здания, и посреди этого — смешные, ослепительно яркие праздники, свадьбы и дни рождения. Бравурная музыка наивных торжеств соседствует с печальным пением Фаусты, которая сочиняет целые поэмы просто на ходу, импровизируя мелодии и стихотворения. Хотя в фильме хватает очень грустных и трогательных моментов, Льоса не опускается до мелодрамы: все эмоции правдоподобны, все ситуации строятся по законам художественной логики. К тому же Магали Сольер не только завораживающе красива, она еще и феноменальная актриса: совмещая открытую эмоциональность с тонкой, изобилующей психологическими оттенками игрой, она поднимает Фаусту до уровня трагической героини.
Мы следим за ее попытками избавиться от страха, переживаем, удастся ли ей похоронить свою мать по-человечески (пока не накопит денег, хранит ее тело просто в комнате — еще одна почти сюрреалистическая деталь), — и в то же время визуальная среда фильма почти незаметно окутывает нас, наполняет непритязательную историю богатейшей символикой. В конечном итоге понимаешь, что смотришь сказку, легенду, обладающую смысловой емкостью эпоса: через судьбу одной девушки просматривается судьба целого народа, так же, как благодаря режиссерским находкам Льосы становится понятным одно из возможных направлений развития латиноамериканского кино. Сочетание социальной, бытовой конкретики и красоты каждого кадра, нежности и грубости, лирики и болезненной исторической памяти — это тот стиль, который могут наследовать режиссеры нового поколения, и не только в Южной Америке.

Такой фильм, кажется, создать просто, однако, кроме таланта, необходимо иметь особенную открытость восприятия даже привычных, самых будничных или ужасающих реалий. Именно благодаря такой, на грани болевого шока, чувствительности и рождается настоящее кино.

Дмитрий Десятерик



Продолжая изучение Каннского фестиваля 1990 года, посмотрел "Приди и увидишь рай" Алана Паркера, который никаких наград в итоге и не собрал. Кино раскрывает малоизвестные страницы истории США, где во время Второй мировой в стране возникли японские гетто. Ну то есть тема примерно понятна: любовь и война. Сталкивать оба этих явления дело конечно не новое (разве что Гомер мог похвастаться новаторством), поэтому что-то ещё писать про сюжет смысла нет, там даже концовка понятна сразу, потому что весь фильм сплошные воспоминания.

Вообще, Паркер, при всей его помпезности и величии, на меня порой производит очень унылое впечатление. Ну то есть дядька в каждой картине выходит с открытым забралом против огромной политической машины, пинает ее ногой, кидает камнями в стекла, а машине хоть бы хны - прет и прет. Причем для убедительности собственных слов Паркер может даже и мечтает, чтобы его стальные зубчатые колеса переехали, но всегда не удается. Иногда даже из машины вылезает комиссар в пыльном шлеме и сэру Алану спасибо скажет, а Паркер ему в ответ: "Пожалуйста!" - на том и разъедутся. Кино про японские гетто - очередной пример, когда культурный и миролюбивый человек пытается заняться ну в общем-то не совсем своим делом, т.е. ему может стоит листовки печатать или "I have a dream" писать, а он коктейли Молотова на кухне варит. Так же и Паркер, обличает американский империализм, который в степень шовинизма переходит, но делает это очень чопорно - по-английски, одним словом. Апеллируя к демократии и human rights, режиссер совершенно не позволяет себе скатиться в маргинальщину, которая в таких фильмах убедительнее и нагляднее всего смотрится. У Паркера же все дистанцировано настолько, что Ханеке просто изувером-садистом на его фоне выглядит. Ну и плюс к этому желание объять необъятное и собрать в себя всего-всего и побольше, на выходе дает пошлятину, от которой не по себе становится (вот там например японский мальчик вступает в ряды американской армии, а потом его маме звезду героя приносят, посмертно разумеется). В итоге получается не крик души и не политический манифест японской нации, а какой-то "Доклад о нарушении прав национальных меньшинств в США в период 1941-45 гг."

Что там ещё странно, так это исключительно социальный подтекст всего происходящего, т.е. у Паркера люди - это единый пласт, который собственно не имеет культурных дефиниций, а должен раствориться в едином западном пространстве, в котором всем комфортно и хорошо: японцы в покер дуются с сигарами и виски, тут же женщины свинг и госпел исполняют, да они даже вилками все едят (кроме ортодоксальных японцев, которые это делают именно что в силу привычки, а не потому что так принято на Родине). Вот и получается так, что жилищное гетто для японцев - это ужасно и недемократично, а вот навязывание чуждой культуры - акт непримечательный и скорее носит характер просветительский, нежели деградационный. Не уверен, что всё так просто, и что права человека умещаются в системе "вкусная пища - наличие перегородок в общественных туалетах". Всё-таки помимо материальных потребностей, у людей есть потребности иного рода, поэтому духовное гетто вещь куда более страшная, хоть и неприметная. А то тут можно из одних молотков в другие превратиться.

 



Доверяйте вневременным ценностям, верьте своему сердцу и не забывайте про чудеса…

В ночь с 10 на 11 апреля в Доме Кино на Караванной состоится НОЧЬ ДОБРОГО КИНО.




23.00 – музыка\ добрые поступки организаторов и гостей



23.59 – МАРС (2004, режиссер Анна Меликян)
Каждый человек пытается убежать в поисках лучшей жизни. Убежать от людей, которые тебя окружают, от среды, в которой живешь и в конечном итоге от себя…Известный и непобедимый боксер Борис так и сделал — просто сел в поезд в неведомом ему направлении. Проснувшись рано утром, он видит в рассветной дымке неоновые буквы «МАРС» — название станции и городка, все жители которого работают на фабрике мягких игрушек. Борис проведет в городе всего лишь сутки, но они навсегда изменят жизнь его обитателей…
Комментарии ДОБРОГО ЧЕЛОВЕКА: безумно доброе, нежное и красивое кино с романтической музыкой. МАРС – это первый полнометражный фильм режиссера «Русалки» - Анны Меликян.

1.40 – добрая музыка \ хорошие люди и прекрасное настроение



2.10 - Токио (2008, 3 истории о Токио от режиссеров: Мишель Гондри, Джун-хо Бон, Леос Каракс)
Три совершенно разные истории, общее у которых лишь одно: место действия — мегаполис Токио. Первая «Дизайн интерьера» повествует о молодых людях, приехавших покорять столицу Японии. Акира мечтает стать выдающимся кинематографистом, а его девушка Хироко ищет свое жизненное предназначение и находит его неожиданно фантастическим образом. Вторая «Дерьмо» о «существе из канализации», безумном получеловеке-полузвере, пожирающем исключительно цветы и деньги и терроризирующем весь город. И последняя «Сотрясающийся Токио» о парне Теруюку. Он хикикомори. Так в Японии называют молодых людей, стремящихся к изоляции от внешнего мира, ведущих затворнической образ жизни. Все меняется, когда в дверь Теруюку стучится любовь в образе симпатичной разносчицы пиццы…
Комментарии ДОБРОГО ЧЕЛОВЕКА: Непредсказуемый сюжет и колоритные образы. 3 фильма, из тех, которые ломают концепции

4.00 – музыка \ кофе \ конфетки и чудесный фильм…



4.20 – Завет (2007, режиссер Эмир Кустурица)
В далекой сербской глуши юный Цане живет практически один. Вместе с ним на вершине холма обитают лишь его дедушка, их корова, да по соседству живет учительница. Остальные жители давно покинули деревушку. Ощущая, что конец земного пути уже близок и он вот-вот покинет этот мир, дед просит подростка выполнить его завет. Цане нужно пойти в близлежащий город, продать корову, купить икону и найти себе жену, чтобы привести ее в дом. Последнее оказывается самым непростым заданием для юноши, но дедушкину просьбу он не может не исполнить. Вскоре он знакомится с девушкой по имени Ясна.
Комментарии ДОБРОГО ЧЕЛОВЕКА: Что бы там не говорили скептики, но и в этом фильме Кустурица дарит зрителям радость, любовь и миллиарды позитивных эмоций!

6.36 – Окончание кинопоказа \ И наконец, рассвет на Манежной площади \ Ласковое Питерское солнышко и прохладный ветерок


Организатор показа: творческая группа ДОБРОЕ КИНО

Предварительная продажа билетов в кассах Дома Кино. Стоимость билета на всю ночь -450 р. www.domkino.spb.ru. Ул. Караванная д.12 тел. 314-56-14

Бронирование билетов по тел.: +7-911-038-33-74 (Оксана). Именинникам вход бесплатный, группам от 5-ти человек скидка 10% (при предварительном бронировании).

Вход на ночные показы осуществляется через правую дверь с надписью «Служебный вход».








Бунтарь без причины" -  фильм о молодом и беспокойном Джиме Старке, который любил быструю езду и не любил болото благополучных американских пригородов, а также был хорош собой и горд, и о том, что из всего этого вышло. Это самая знаменитая роль Джеймса Дина, разбившегося в автомобиле на большой скорости в год выхода фильма. За свою карьеру он успел сыграть всего три крупных роли, но в историю вошел символом целого поколения.
Фильм снят в цвете и получал в прессе, помимо прочих титулов, звание "самого стильного голливудского фильма всех времен"

11 апреля, воскресенье, 18:00
Смотрим "Rebel without a cause", а Наиля Гольман рассказывает нам о нем все самое интересное.

Вход - 100 рублей

Наш адрес: метро Тургеневская, Чистые пруды, Бобров переулок, дом 6/1
(495) 625-58-55



С 8 по 18 апреля в к/т «Художественный» пройдет третий фестиваль кино Латинской Америки Latinofiesta, специализирующийся на показе разноформатных лент, преимущественно неизвестных за пределами испаноязычного региона.

В программу Latinofiesta-2010 вошли восемь полнометражных художественных фильмов, два документальных. Подготовлены две программы короткометражных работ режиссеров из Аргентины, Бразилии, Мексики, Перу, Чили. Откроет фестиваль программа короткометражных фильмов классиков кубинской анимации.

ПРОГРАММА И РАСПИСАНИЕ

Показы пройдут в двух залах кинотеатра «Художественный». В «Большом зале» демонстрируются фильмы с переводом на русский язык. Цена билета - 150 р. В «Синем зале» - на языке оригинала (без перевода). Цена билета - 100 р.

Организаторы фестиваля: Latinofiesta, Государственный центральный музей кино, ГУП "Московское кино", Институт Латинской Америки РАН, кинотеатр "Художественный".

Ссылки
- сайт Музея кино
- сайт фестиваля Latinofiesta.ru

От себя могу добавить, что в прошлом году я освещал программу II Латинофиесты:
1. Империя или фантом? (о фильме "Темный/освещенный")
2. Короткий фильм о юности
3. Канн говорит по-испански





Photobucket

Сценарий нового фильма о Гарри Поттере был найден под столиком в британском пабе «Уотерсайд таверн». Цитаты из рукописи на следующий день появились на страницах британского таблоида «Sun». Студия «Warner Brothers» решила провести расследование, чтобы найти виновника утери и уволить его.

В результате выяснилось, что … узнайте кто виноват в том, что секрет Поттера раскрылся ЗДЕСЬ

Читайте новости на www.cinemotionlab.com и вы узнаете о том, почему сценарий фильма о Мартине Лютере Кинге не нравится его семье и какой русский сценарист участвует в экранизации романа скандально известного аргентинского автора!