«Необратимость» - это прежде всего история рассказанная в обратной хронологической последовательности. Дело в том, что обратная хронология делает фильм, структурно выступающим против насилия и жестокости, в то время как обычная хронология привела бы нас к шокирующим итогам повествования. Размещая сцену жестокости в самом начале, Гаспар Ноэ заставляет серьезно задуматься о сексуальном насилии происходящем повсеместно.

 

По сути, фильм рассказывает две истории, со сценой изнасилования выступающей в качестве точки пересечения и преобразования между ними. Первая история – это арт смесь секса и насилия, основой которой служит месть, переплетающаяся с невыносимо претенциозным фатализмом. Вторая история далеко более тонкая – это портрет романтического треугольника, зарождающейся сексуальной напряженности и нестабильности рождающей собой опустошение.

Большинство людей предпочитают воздержаться от просмотра «Необратимости», по причине возможного оскорбления и возмущения их моральных принципов, вызванного жестокостью происходящей на экране, что касается остальных, то безусловно фильм достоин внимания, хотя бы за его честность и правдивость, заключенную в довольно сильный сюжете.




16-минутный сюрреалистический немой фильм испанского режиссёра Луиса Буньюэля и испанского художника Сальвадора Дали является одним из наиболее известных сюрреалистических фильмов «авангарда» 1920-х. Первоначально был выпущен к ограниченному показу в Париже в 1929 году, но, став популярным, оставался в прокате восемь месяцев.

В фильме отсутствует сюжет в привычном понимании этого слова. Хронология фильма разрозненна: так, переход от первой сцены фр. Il etait une fois (рус. «Давным-давно»;) к второй сцене «Восемь лет спустя» происходит без изменения обстановки и персонажей. По сути, кинематографическое повествование Буньюэля подчиняется законам «логики» сновидений, в которых зрительные образы меняются, не подчиняясь рациональной логике и хронологической последовательности, поэтому кинокритики, анализирующие фильм, часто пользуются терминами популярной в те годы теории сновидений Фрейда.

В настоящий момент данный фильм является важной частью экспозиции выставки "Шутки и кошмары: фильмы испанских художников от Дали до наших дней"




16-минутный сюрреалистический немой фильм испанского режиссёра Луиса Буньюэля и испанского художника Сальвадора Дали является одним из наиболее известных сюрреалистических фильмов «авангарда» 1920-х. Первоначально был выпущен к ограниченному показу в Париже в 1929 году, но, став популярным, оставался в прокате восемь месяцев.

В фильме отсутствует сюжет в привычном понимании этого слова. Хронология фильма разрозненна: так, переход от первой сцены фр. Il etait une fois (рус. «Давным-давно»;) к второй сцене «Восемь лет спустя» происходит без изменения обстановки и персонажей. По сути, кинематографическое повествование Буньюэля подчиняется законам «логики» сновидений, в которых зрительные образы меняются, не подчиняясь рациональной логике и хронологической последовательности, поэтому кинокритики, анализирующие фильм, часто пользуются терминами популярной в те годы теории сновидений Фрейда.

В настоящий момент данный фильм является важной частью экспозиции выставки "Шутки и кошмары: фильмы испанских художников от Дали до наших дней"



Режиссер-аниматор Слава Ушаков рассказал о том, как создавался необычный рисованный клип на не менее странную песню "Хара-мамбу-ру" группы "Ногу свело" Максима Покровского.  Этот клип получил премию MTV и был назван Л. Парфеновым событием 1994 года. Многие, вероятно, помнят этот клип.






16-минутный сюрреалистический немой фильм испанского режиссёра Луиса Буньюэля и испанского художника Сальвадора Дали является одним из наиболее известных сюрреалистических фильмов «авангарда» 1920-х. Первоначально был выпущен к ограниченному показу в Париже в 1929 году, но, став популярным, оставался в прокате восемь месяцев.

В фильме отсутствует сюжет в привычном понимании этого слова. Хронология фильма разрозненна: так, переход от первой сцены фр. Il etait une fois (рус. «Давным-давно»;) к второй сцене «Восемь лет спустя» происходит без изменения обстановки и персонажей. По сути, кинематографическое повествование Буньюэля подчиняется законам «логики» сновидений, в которых зрительные образы меняются, не подчиняясь рациональной логике и хронологической последовательности, поэтому кинокритики, анализирующие фильм, часто пользуются терминами популярной в те годы теории сновидений Фрейда.

В настоящий момент данный фильм является важной частью экспозиции выставки "Шутки и кошмары: фильмы испанских художников от Дали до наших дней"




16-минутный сюрреалистический немой фильм испанского режиссёра Луиса Буньюэля и испанского художника Сальвадора Дали является одним из наиболее известных сюрреалистических фильмов «авангарда» 1920-х. Первоначально был выпущен к ограниченному показу в Париже в 1929 году, но, став популярным, оставался в прокате восемь месяцев.

В фильме отсутствует сюжет в привычном понимании этого слова. Хронология фильма разрозненна: так, переход от первой сцены фр. Il etait une fois (рус. «Давным-давно»;) к второй сцене «Восемь лет спустя» происходит без изменения обстановки и персонажей. По сути, кинематографическое повествование Буньюэля подчиняется законам «логики» сновидений, в которых зрительные образы меняются, не подчиняясь рациональной логике и хронологической последовательности, поэтому кинокритики, анализирующие фильм, часто пользуются терминами популярной в те годы теории сновидений Фрейда.

В настоящий момент данный фильм является важной частью экспозиции выставки "Шутки и кошмары: фильмы испанских художников от Дали до наших дней"



Этот фильм стоит посмотреть тем, кому надоели шаблонные семейные американские комедии с однотипными Дженнифер Анистон, Сарой Джессикой Паркер, Адамом Сэндлером, Робом Шнайдером и т.д. и т.п. Хотя бы чтобы просто сменить декорации и типовые дубоватые сюжеты, на более затейливую английскую прозу.

Хотя, многим фильм может показаться скучноватым. Там нет бешеной динамики, искрометного юмора от которого хочется смеяться до колик в животе, красивых панорамных съемок, он лишен яркого лицедейства.

Всё действие фильма происходит в глухой сельской местности, небольшом городишке, где живут преимущественно литераторы. Однажды, в это тихое захолустье приезжает Тамара, успешная журналистка, колумнистка в модном столичном журнале. С ее появлением, размеренная жизнь сельчан превращается в водоворот событий.

Просматривая эту картину, у меня создавалось впечатление прочтения книги. Настолько неторопливо и размеренно развивается сюжет. Одно событие плавно перетекает в другое, оставляя место для размышления. При этом, не могу сказать, что фильм мне понравился, скорее просто был интересен. В нем слишком ярко ощущается работа англичан, можно сказать, вся атмосфера фильма пропитана их духом. Это чувствуется с первых же минут, даже не зная какой стране принадлежит авторство.

Из приятного - это подбор актеров. Интересно смотреть на персонажей - простых, не лощеных, не идеальных, обычных, но при этом обаятельных и простых. Сначала, они кажутся нелепыми, затем начинаешь испытывать к ним симпатию. А Джемма Артертон в роли Тамары, просто обворожительна. Красивая, естественная и настоящая.





2011 год. В ролях: Джейк Джилленхол, Мишель Монахэн, Вера Фармига.
Режиссер: Дункан Джонс. Производство: Vendome Pictures.
Бюджет: 32 000 000 Сборы: 123 266 791

       В скоростном поезде, следующим в Чикаго, просыпается военный летчик Колтер Стивенс (Джейк Джилленхол). Он не знает, каким образом он здесь очутился. Последнее, что он помнит, это боевой вылет в Афганистане. Напротив него сидит женщина, которая называет его Шоном. Сумашедшая ситуация, в которой Стивенс пытается разобраться. Как он сюда попал, куда делся Афганистан, вертолет и его боевые товарищи, и почему, в конце концов, совершенно незнакомая женщина разговаривает с ним, да еще называет его Шоном?
       Поезд едет на большой скорости, с такой же скоростью вертятся вопросы в голове Колтера. Незнакомка, сидящая напротив, трещит без умолку. Пока он пытается объяснить своей спутнице, что они не знакомы, и одновременно понять, что происходит, поезд взрывается.
       Темнота. Стивенс открывает глаза и обнаруживает, что он в каком-то военном бункере, напичканном электроникой. На одном из мониторов появляется женщина в военной форме. Она пытается узнать, видел ли он бомбу, которая взорвала поезд. Колтер снова пробует выяснить, в чем дело, офицер отвечает ему вопросом на вопрос. Когда же женщина понимает, что бомбы он не видел, то отдает Стивенсу приказ: "Ваша задача найти бомбу, выяснить, кто ее заложил, у вас будет 8 минут, как в прошлый раз. Загружаем программу." Из бункера Стивенс снова попадает в вагон поезда, который должен взорваться через несколько минут.



       Поезд, поиски бомбы, взрыв, бункер, разговор с офицером, снова поезд. На основе обрывочных данных у Стивенса постепенно складывается картина происходящего. Утром, недалеко от Чикаго, взорвался пассажирский поезд. Это была террористическая атака. Властям известно, что планируется еще один взрыв. Ученые разработали специальное устройство, которое позволяет человеку виртуально прожить последние восемь минут в теле любого умершего. Это устройство отсылает Стивенса в уже взорванный поезд для того, чтобы он нашел бомбу и террористов.

       Люди, посмотревшие фильм «Исходный код», говорят, что сюжет не нов, были и другие фильмы подобного содержания, не ремейки, конечно, но всё-таки. Лично я других картин такого плана не видел, так что для меня сюжет показался достаточно свежим. Радует, что на протяжении всего фильма не особо понятно, чем все закончится, интрига сохраняется, повествование не затянуто, в общем, смотреть интересно.



       После просмотра картины сами собой напрашиваются любопытные аналогии. У меня даже есть подозрение, что авторы намеренно вложили в свое творение некую аллегорию. Во-первых, это, конечно же, афганская тематика. На первый взгляд это совершенно не нужное отступление, которое тем не мение муссируется на протяжение всего фильма.
       Почему главный герой не полицейский или кто-нибудь еще, а именно военный, сражающийся непонятно с кем, непонятно за что в чужой стране? И вот этот солдат возращается на родину, для того, чтобы решать совершенно конкретные задачи в своей стране. Этот момент очень символичен, ведь Америка большими шагами топает в пропасть, огромное количество проблем не разрешено, и если не заняться ими прямо сейчас, срочно, то красивый современный скоростной поезд под названием США рискует взорваться в пути, так и не доехав до места назначения. Думаю, мысль ясна - определенно, настала пора закончить битвы с мифическими внешними врагами и заняться своими собственными американскими тараканами.
       А кто же у нас тараканы? Признаться, я думал, что фильм проводит параллели между войной в Афганистане и террористами, взорвавшими поезд. Предполагал, что люди, заложившие бомбу в экспресс, будут бородатыми талибами, но не тут-то было - подрывником оказывается американский патриот. Почему он захотел взорвать ядерную бомбу в своей стране? Потому что общество зашло тупик, необходимо новое начало, справедливое начало, в общем, мы это уже проходили – весь мир страданья мы разрушим до основанья, а затем мы наш, мы новый мир построим…
       Сцена с американцем, мечтающим уничтожить свою страну, - это явная отсылка к фильму «Бойцовский клуб», в котором главный герой взрывает основные финансовые хранилища страны, тем самым обнуляя долги всех перед всеми. Конечно, все взрывать далеко не выход, но явно, что такие фильмы показывают, что подсознательное, часто не осознаваемое напряжение в забугорном обществе растет, как на дрожжах.
       Итак, «Исходный код» фильм однозначно хороший. Посмотрел его с большим удовольствием, возможно, буду пересматривать.







Фильм 1991 года, режиссер Рустам Хамдамов, в главных ролях: Жанна Моро, Петр Мамонов, Елена Соловей, Эммануил Виторган, Юрий Соломин и др., продолжительность - 123 мин., СССР – Франция.

Должен признаться, я основательно клевал носом, когда смотрел этот фильм. Поскольку он никогда не демонстрировался в кинотеатрах (разве что в 1991 году на Каннском фестивале), и доступна только его подпорченная VHS-копия, то каждый раз после очередного «клевка» я отматывал назад. Так что просмотр двухчасового фильма у меня растянулся на 3 часа. Я, конечно, понимаю: мифопоэтика, сюрреализм, Томас Манн, Кафка, Фриц Ланг и т.п., но все-таки от двухчасового фильма ожидаешь какого-то действия. Концентрации внимания также не способствуют невнятные диалоги и загробная мелодия.

Но! Такой дремотный просмотр фильма отнюдь не влияет на его восприятие: согласно некоторым теориям, миф является порождением пограничного состояния сознания, которое, скажем так, вальсирует между реальностью и сном или реальностью и галлюцинациями, вызванными как психосоматическими расстройствами, так и принятием галлюциногенов. Поскольку режиссер занимается мифотворчеством в стиле «Улисса» (не к ночи будь помянут), дремлющее, размякшее сознание зрителя сливается с мифотворящими сознаниями главных героев и образует с ними одно вязкое целое.

Нельзя, конечно, сказать, что фильм абсолютно лишен сюжета, но этот сюжет построен по принципу нитки с жемчугом: несколько киноновелл объединены похождениями главной героини, которая неизвестно откуда взялась, что ей нужно и куда она в итоге делась.

Фильм насыщен многочисленными аллюзиями на знаменитые киноленты прошлых лет: Веру Холодную, «Рабу любви», «Обыкновенное чудо» и даже «Место встречи изменить нельзя». Некоторые аллюзии настолько убедительны, что в какой-то момент начинает казаться, что смотришь эпизод, скажем, говорухинского «Места встречи», и участие в фильме Натальи Фатеевой (Соболевской) делает эту аллюзию законченной. Правда, в следующем эпизоде все опять соскальзывает в сюрреализм. Очевидно, это такой прием режиссера: артисты играют не только свои роли, но и самые запомнившиеся роли, сыгранные ими в других фильмах: раба любви Елена Соловей – Веру Холодную, Юрий Соломин – Адъютанта его превосходительства, Светлана Немоляева – Оленьку из «Служебного романа» (да-да, есть там и такие аллюзии) и т.д.

Самое прикольное – в главной роли снялась Жанна Моро; следует отметить, что эта рафинированная француженка с ее богемными ужимками в фильме Хамдамова смотрелась весьма органично. Представляете, слово «жопа», вложенное в уста этой любимицы Антониони и Трюффо?! Но, говорят, во время демонстрации фильма на Каннском фестивале Жанна Моро несколько раз громко и настойчиво произнесла еще одно духоподъемное слово - «merde».






Вот есть такие фильмы - не шедевры, но попадающие точно в настроение, в мысли, и затрагивающие до таких глубин души, что плакать хочется при одном воспоминании. Два дня прошло, а я возвращаюсь к ним: "Мой брат Том" и "Возвращение в Брайдсхед". Так получилось, что в моем списке фильмов, которые хотелось посмотреть они стояли рядом. Наверное, это из-за Бена Уишоу, хотя поначалу я даже и не поняла, что один и тот же актер в обоих фильмах играет. Но сегодня только про "Мой брат Том".
"Мой брат Том" - такая чистая и прозрачная, но тяжелая драма. История про детей, которые пережили насилие. Про двух абсолютно разных подростков с одинаковой болью. Джессика и Том находят друг друга среди той грязи, в которую их бросает, втаптывает взрослое окружение: родители Джессики, видящие только то, что желают, священники, убегающие от настоящих исповедей, отец Тома, перекладывающий свою ответственность на ребенка, учитель Джессики, трусливый несостоявшийся мужчина с кучей комплексов и нереализованных желаний. Страшно представить, но Джессика и Том просто пытаются отсечь из жизни всё то, что уже не могут изменить. Там, за лесом, их жизнь, в которую не хочется возвращаться. А в лесу: дружба, доверие, первая зарождающаяся любовь... Но от себя не убежать и даже, чтобы освободиться они не могут, понимаете, не могут даже произнести вслух то, что случилось. Это очень страшно и болезненно и Том говорит: "они бьют, ругают и называют сумасшедшим, но никто, НИКТО не хочет знать причину. Если ты завтра покончишь с собой, они просто скажут, что ты сошел с ума". И им с Джессикой уже настолько невозможно жить с своей бедой, что они готовы стать кем-то другим, например, близнецами или друг другом, лишь бы не оставаться собой и с собой.
Досмотрела фильм и уже второй день всё думаю: когда начинается тот момент, когда мы становимся взрослыми? Теми взрослыми, которых ненавидят дети, которые всего боятся и поступают так, как в детстве и представить себе не могли. Когда мы забываем, как обидно и больно было в школе получать "лучи добра" от одноклассников, когда дома были проблемы? Когда мы забываем, как мама или папа не дослушивали наши проблемы, восторженные рассказы, а начинали читать нравоучения, и мы обещали себе никогда так не поступать со своими детьми? Когда наступает тот момент, когда мы идем на поводу своих желаний и подавляем детей, а потом угрожаем им насилием или публичным унижением и осуждением? Вопросы, которые волнуют меня уже не первый год. Как с годами остаться человеком, не превратиться в живую машину по обеспечению жизненного пространства с исключением любых моральных потрясений, на которые есть хотя бы малейшая возможность накинуть розовую пелену.
"Мой брат Том" почти полностью снят на "живую руку", не ждите от него эстетических впечатлений или незабываемой игры актеров, неповторимого сюжета, в нем нет ничего запоминающегося, кроме вопросов. Вопросов, которые не хотелось бы себе задавать, и на которые совершенно точно трудно и совершенно не хочется искать ответы. Но в начале я написала про "прозрачность" картины. От нее остается такое ощущение темного осадка, как на дне горной реки и легкого налета грусти, как светло-молочный тюль на окне в солнечный день. И от этого хочется думать.





Как известно, на премьере в Каннах фильм "Древо жизни" был освистан. Тот факт, что жюри присудило ему Золотую пальмовую ветвь, лишь подчеркивает важность первоначальной реакции зрителей.

Уже давно не было фильма высокого уровня со столь ясным религиозным посланием. Думаю, эта прозрачность и есть основная причина, отвращающая от «Древа жизни» тех, кто в силу своих интересов или профессиональной принадлежности мог бы оценить богатство визуального ряда или особенности киноязыка. Если судить по картине, Терренс Малик представляет собой чрезвычайно цельную личность. Он знает, во что верит и к чему стремится. В наше время, такая определенность «продвинутую» публику раздражает.

Справедливо отмеченная слабость драматургии проистекает из того же источника. У Малика вполне завершенный взгляд на мироздание. Образы ничего не проясняют, они лишь заполняют заранее подготовленное пространство. Поэтому лучше наслаждаться картиной, уже имея в голове соответствующую концепцию Вселенной. Однако современный зритель привык идти от обратного. Прежде он считывает образы. А уже потом надеется разглядеть через них какой-то намек на гармонию (так, например, в фильме Иньярриту «Бьютифул). Именно намек, а не проповедь.

Но Малик не боится проповедовать. Он играет на другом поле и в другую игру. И там он остается самим собой. Так что все претензии, связанные с идеологической стороной, бьют мимо цели.

Поэтому «Древо жизни» не тот фильм, который оценивают в категориях плохо/хорошо. У посетителя Собора Святого Петра в Риме при взгляде вверх может и не захватить дух, но язык не повернется обвинить зодчих в бездарности. Хотя бы из уважения к традиции или желания казаться культурным человеком. Как бы то ни было, картина Малика – действительно грандиозное и прекрасное полотно. Это понимаешь, даже если имеешь иные эстетические или идеологические предпочтения.

И все-таки, играя на своем поле и в свою игру, Терренс Малик так и не достигает главной цели. Впрочем, не достигает ее и автор Книги Иова, слова которого взяты в качестве эпиграфа к фильму. Созерцание величественных картин творения и гармоничное дыхание Вселенной не приводят к полному примирению с реальностью человеческого страдания. Как бы не старался автор фильма продемонстрировать обратное. И это не проблема слабой драматургии. Очевидно, в стройной архитектуре мироздания предусмотрено место для черных дыр. И с этим ничего не поделать.





Фильм Орсона Уэллса «Гражданин Кейн» начинается с того, что некий человек, умирая, произносит единственную фразу: «розовый бутон». Вокруг этой фразы будет вращаться вся последующая интрига. Покойный – Чарльз Фостер Кейн, газетный магнат, один из богатейших и влиятельнейших людей Америки. По случаю его смерти журналисты готовят специальный выпуск новостного киножурнала. Чтобы лучше понять, каким человеком был мистер Кейн, необходимо установить значение его предсмертных слов. С этой целью они собирают свидетельства людей, в разное время близко знавших Кейна. Журналисты проясняют многие подробности его биографии, но так и не получают ответа на искомый вопрос. И лишь зрителям в самом конце фильма тайна розового бутона открывается.

Говорят, Орсон Уэллс хотел отказаться от идеи розового бутона из-за «дешевого фрейдизма». Однако, с точки зрения зрительского восприятия, это был ловкий ход, который скреплял повествование и поддерживал необходимое драматургическое напряжение. Так или иначе, идея была сохранена, «Гражданин Кейн» получил Оскара за оригинальный сценарий, а розовый бутон стал, возможно, самой известной метафорой в истории кино. (Позже уэллсовский шедевр неоднократно признавался «лучшим фильмом всех времен и народов».)

И все же скепсис автора по поводу «гениальной находки» не был простым следствием интеллектуального снобизма.

Художественная литература и кино приучили нас к иллюзии, что жизнь человека подобна единой конструкции. Если понять принцип сборки, то несколько десятков лет можно свернуть до размеров романа. На первый взгляд, «Гражданин Кейн» поддерживает эту иллюзию. Узнав значение  розового бутона, зритель легко поддается искушению объяснить все поступки героя посредством одного определяющего мотива. Видимо, этого искушения и опасался Уэллс. Яркая метафора могла затмить смысл, «сокрытый в глубине».

В чем же заключалась главная идея фильма? С 1941 года, когда состоялась его премьера, у критиков и историков кино было достаточно времени, чтобы ответить на этот вопрос. В результате, одни посчитали картину пародией на современника Уэллса, крупного издателя Уильяма Рэндольфа Хёрста. Для других это был реквием по американской мечте. Третьи узнали в мистере Кейне alter ego самого Орсона Уэллса… Оказалось, толковать этот фильм – все равно что крутить в руках калейдоскоп: куда не поверни, всегда выкладывается какой-нибудь узор. Многозначность заложена в нем изначально. Впрочем, так бывает с каждым великим произведением искусства. (К слову сказать, Уэллс являлся не только режиссером фильма, но также продюсером, одним из авторов сценария и исполнителем главной роли. В то время ему было всего 25 лет!)

Если исходить из опыта личного восприятия, то легко может статься, что это история о человеке вообще, об экзистенциальном одиночестве и фатальной раздробленности его души. Как ни парадоксально, в фильме мы практически не встречаем самого Чарльза Фостера Кейна. Нам показаны губы, произносящие: «розовый бутон», руки, роняющие шар, наконец, мертвое тело, которое сиделка прячет под покрывалом. На этом краткое знакомство с главным героем заканчивается. Все остальное – это его фантомы, проекции, маячащие в воспоминаниях очевидцев. Каждый из них помнит своего мистера Кейна и по-своему интерпретирует его поступки. Пожалуй, истинное отношение к своему герою, Уэллс выразил устами Томпсона – журналиста, который должен был раскрыть тайну розового бутона. Когда его усилия оказались тщетны, он сравнил жизнь Кейна с большой головоломкой. Розовый бутон – всего лишь недостающий фрагмент этой головоломки, сам по себе он ничего не значит. «Одно слово, – заключает Томпсон, – не может объяснить целой жизни».

Несомненно, самой насыщенной метафорой в фильме является дворец Ксанаду. Этот образ навеян известной поэмой Кольриджа «Кубла Хан» и потому изначально воспринимается как греза, ускользающее сновидение. Когда мы видим дворец в первый раз, он словно скрывается от глаз в полупрозрачной дымке. Грандиозное сооружение не имело определенного архитектурного стиля. До конца жизни Кейн так и не успел его полностью отстроить. Залы дворца были наполнены несметным количеством дорогих произведений искусства со всего света. Они располагались без особой системы и эстетического чутья. Общую стоимость всех этих сокровищ, как сказано в фильме, невозможно было определить. Подобно его хозяину, Ксанаду представлялся бессмысленной головоломкой, не имеющей решения.

В структуре фильма этому дворцу отводится особая роль. С него повествование начинается, и им же – заканчивается. Первый кадр показывает зрителю табличку с надписью «вход воспрещен». Затем камера скользит по решетке, пока не добирается до массивных дворцовых ворот с монограммой «К». Далее простираются владения Кейна… В заключительном эпизоде фильма демонстрируется та же надпись: «вход воспрещен». Вероятно, эти прямые и бесстрастные слова в большей мере отражают авторский замысел, нежели загадочный «розовый бутон».

Таков неизбывный трагизм человеческой судьбы. Ни одному смертному не дано проникнуть во внутренние покои души и подобрать формулу, объясняющую все ее противоречия. Реальная жизнь неинтерпретируема. Все, что осталось от гражданина по фамилии Кейн, – это слова-загадки и зыбкие образы-воспоминания. Но со временем и они развеются, как развеялся черный дым, который поднимался над крышей дворца. В тот момент огонь в огромном камине пожирал многочисленные бесполезные вещи, оставшиеся от хозяина Ксанаду. Где-то, среди этих вещей, навсегда затерялась тайна розового бутона.



12:42

 Добрый день! Выставляю на ваш суд свое первое видео/анимацию =)








Лента рассказывает три параллельные и в конечном итоге пересекающиеся истории о людях, познавших смерть — французская журналистка, пережившая цунами в 2004 году, и десятилетний мальчик потерявший в автокатастрофе своего брата-близнеца — встречают умеющего разговаривать с мёртвыми человека, способного дать им ответы и утешение — человека, смертельно уставшего слышать голоса мертвецов в своей голове.

С каждым фильмом Клинт Иствуд всё больше закрепляет репутацию прекрасного актера и гениального режиссера.Его фильмы всегда номинируются на престижную премию Оскар и пленят души ценителей хорошего кино и широкого зрителя. Можно смело сказать, что подобного кино, от него увидеть многие не ожидали.Здесь мы видим нового Иствуда ,его новый взгляд на жанр мистической драмы.



«Потустороннее» — фильм-размышление его создателя на тему жизни и смерти.Название фильма и его краткое сопроводительное описание предельно честны со зрителем, что позволяет безболезненно отсеять тех, кого сюжет фильма не может заинтересовать априори.Иствуд рассуждает о том,есть ли жизнь после смерти,и если есть,то что находится по ту сторону?Несмотря на, казалось бы, медлительное на первый взгляд повествование картины, фильм действительно затягивает и завлекает всем своим содержанием. А самое главное, при просмотре картины, зрителю удаётся стать частью картины. А такой эффект, воспроизводит далеко не каждый фильм. Фильм оказывает глубокое эмоциональное воздействие,равнодушным никого не оставляет.Фильм - живой,эмоциональный,снят искусно. Есть такая пословица, «Талантливый человек, талантлив во всём». Это как раз про Клинта Иствуда. Он не только гениальный актер и талантливый режиссер, но и великолепный композитор. Он как никто другой, знает, какой должна быть музыка в его фильмах. Что бы создавать полноценность образа и играть на эмоциях зрителя в должной форме.

В наше время, возродилась «мода» на экстрасенсов. Во многом, благодаря передаче канала ТНТ.Экстрасенсов мы все навидались, про медиумов слышали, бабульки деревенские, спиритические сеансы… Варианты на выбор, и большинство из них — всего лишь чужие попытки заработать деньги на человеческой доверчивости. Но есть те особенные люди, с редким необъяснимым даром, знающие больше основной массы. Одного из таких людей и играет Мэтт Дэймон.Безусловным плюсом в моих глазах является то, что нам не навязывается какая-либо определённая точка зрения, к которой создатели пришли в процессе жизни. Более того, Иствуд подчёркивает мысль о том, что ему так же мало известно о жизни после смерти, как и любому другому человеку. Радует то, что картина не только отвечает на многочисленные вопросы, но даёт зрителю права выбора. Верить в это или нет.

В фильме мы видим три истории,три судьбы,которые в конце пересекаются, и эти три персонажа удивительным образом влияют на судьбу друг друга.
Первая история-история женщины,французской журналистки,пережившей страшное цунами.Невероятное ,сильное цунами, смывающее все на своем пути; люди, терявшиеся в воде; хаос и смерть.Женщина просто покинула свой номер, оставив там любимого человека, и выйдя на улицу,попадает в самый мощный поток цунами.Съёмки захватывают дух,настолько сильна стихия.Смотрится потрясающе,красиво и грозно.Понятно,что в такой ситуации,в которую попала эта героиня,лучше было бы не плыть в самом разрушительном потоке,посередине его,а попытаться спрятаться за домом и удержаться,но.. Женщина тонет,находясь на волосок от смерти,но остается чудом жива,ее спасают.Это первая история.Журналистку сыграла Сесил Де Франс,сыграла просто великолепно,выше всяческих похвал.

Вторая история-история двух братьев-близнецов.Такие милые, тихие и спокойные.Мать-алкоголичка и наркоманка,несмотря на это,они ее любят и нежно заботятся о ней.Понимают,что при малейшей ошибке органы социальной опеки отберут их от нее. В результате несчастного случая Джейсон погибает, а Маркус попадает в систему органов опеки.Как известно,близнецы не могут друг без друга. Близнецы Фрэнки МакЛарен и Джордж МакЛарен подкупают своей внешностью и убедительной игрой.

Третья история-история экстрасенса.Он видит людей, умерших, он передает их послания.Но то, что многие считали в нём даром, он называл проклятием. Устав от этого, он всё бросил. Пошёл работать на обычный завод и записался на курсы итальянской кухни. На одном из занятий он встречает очаровательную и непосредственную Мелани (Брайс Даллас Ховард). Искусство тонкого флирта за приготовлением изысканной еды в скором времени перетекает на кухню в квартиру Джорджа. И тут девушка узнаёт о необычных способностях Джорджа. Но Иствуд не был бы Иствудом, если бы пошёл по шаблонному пути. Когда зрителю кажется, что Мелани спасёт бедного Джорджа от одиночества, а он в свою очередь поможет ей простить умершего отца, и всё они будут счастливы, сюжет начинает развиваться по совершено иному пути.Репутация Мэтта Деймона, как виртуозного и гениального актера, пожалуй, остаётся неоспоримой и впредь. Потому что, в который раз, Мэтт заставил поверить в своего персонажа.

Подведу итог: на мой взгляд,фильм глубокий,стоящий,заставляет задуматься о многих вещах.Где-то читала в рецензиях,что это скучный фильм,но я считаю таких критиков "недалекими".Потрясающий фильм ,гениальная,просто шикарная режиссура.

И в конце остается надежда...

















10 баллов!





@темы: рецензия



Фильм, как поляки остановили победное наступление Красной армии в 1920 году. Полякам помогала армия УНР. На производство фильма "Битва под Варшавой" было потрачено 27 млн злотых (9,7 млн долларов), сообщает "Газета Выборча". Продюсеры надеются их быстро вернуть с прибылью. "Пять миллионов зрителей у нас будет запросто", - уверенно заявила представитель компании-производителя Агнешка Одорович.

Судя по трейлеру, нас ожидает сюжет в стиле исторического романа Вальтера Скотта - рассказ о любви на фоне бурных исторических событий. "Обещай мне, что вернешься ..." - "Обещаю".

В данном случае речь идет о так называемом "чудо над Вислой" 1920 года, когда молодое польское государство смогло разбить триумфальное наступление Красной Армии, которая несла пролетарскую революцию в Западную Европу. "Это не месть, а народная справедливость, как говорит товарищ Дзержинский" - с такими словами убивает карикатурный большевик.

В победе под Варшавой есть и немалый вклад украинцев - вследствии мирного договора между Пилсудским и Петлюрой смертоносный фланговый удар войскам советского командующего Тухачевского нанесла 6-я дивизия армии УНР под командованием генерала Марко Безручко. С трейлера к новому фильму Гофмана не ясно, будет упомянуто о петлюровцах.

Благодаря победе под Варшавой Польша смогла заключить с Украинской ССР и большевистской Россией новый договор, обеспечивший ей мирное существование к 1939 году. При этом были проигнорированы интересы УНР, за что Пилсудский вроде бы извинялся перед петлюровскими солдатами.

Из известных украинскому зрителю актеров в фильме задействованы Даниэль Ольбрыхский и Александр Домогаров (Богун из "Огнем и мечом"). Кстати, главную музыкальную тему к "Битвы под Варшавой" пишут те же авторы, кто придумал популярную у нас "Мнение двух сердец" с "Огнем и мечом".

Премьера фильма запланирована на сентябрь этого года.
Напомним, что Ежи Гофман заинтересовался сценарием по роману Василия Шкляра "Черный Ворон".
http://www.istpravda.com.ua/videos/2011/06/21/43260/



Фильм "В диких условиях" я рекомендую смотреть тем, кто находится в вечном поиске истины.

У меня есть друг, который, как и все люди его возраста, является бунтарем в душе. Он не желает жить по законам мира и очень хочет их изменить. Периодически у него в голове рождаются идеи противостояния общественным догмам. Так, например, он отказался от использования мобильного телефона. Он считает, что это абсолютно ненужная вещь. "Зачем говорить по телефону? Найди меня, если захочешь пообщаться!" - объясняет он.
Одно время у него были мысли уехать далеко-далеко, где можно было бы обучать людей иностранному языку (он испанец), и ради этого он даже закончил специальную школу, получил свидетельства и рекомендации. Еще он сдает сперму. Ради денег - тоже, конечно (это довольно прибыльно), но все равно. Одно время мы даже посмеивались над ним, мол, он супер-осеменитель!!! Он улыбался и отвечал на все наши шутки еще одной: "Лучше я пойду и сдам сперму, чем потрачу ее без толку, если пересплю с девушкой!"
И еще эти его мысли по поводу жизни вообще... Он не хочет иметь собственных детей. Он не считает это прекрасным. Он не расценивает жизнь на Земле как чудо. "У меня никто не спросил, хочу ли я родиться на свет. Меня взяли и родили. А жизнь - это страдания..." Поэтому он не желает обрекать на страдания своих потенциальных детей.
- Но ведь если ты сдаешь сперму, то, получается, возможно у тебя будут дети!
- Да, не более шести. По закону. Из моих образцов может получиться только шесть младенцев. К тому же я не считаю, что они будут моими детьми. Они будут детьми тем парам, которые хотят их иметь и не могут. Но это уже их право. А мне за это просто хорошо платит государство (смеется).

В общем, когда я вчера смотрела этот фильм, я вспомнила Пабло. Он так же, как и герой кино хочет жить вдали от людей. Ему неважно, что на нем надето. Ему все равно, где спать или что съесть (главное, чтобы комочек гашиша был всегда перед сном завернут в папиросную бумагу). Он так же, как и герой, не стремится завязывать отношения с женщинами. Они словно обуза, нечто абсолютно ненужное и не востребованное его типом личности.

"Я хотел бы быть одиноким человеком и мне было бы прекрасно! Если семья и дети кому-то нужны, я не против. Они выбирают такую жизнь. Я выбираю другую."

А в кино, которое называется "В диких условиях" Александр Супер-бродяга (имя, которое главный герой придумал себе) убегает из благополучной семьи, едва окончив колледж, потому что не желает жить среди лицемеров и лжецов. Добрый до бесконечности, он проходит через многое на пути к своей единственно важной цели - дойти до Аляски. И уже у самых гор он находит Magic bus, заброшенный автобус, поселяется в нем и живет несколько трудных месяцев.

С трудом переживает зиму и, осознав одну простую истину, что счастье имеет смысл только тогда, когда его есть с кем разделить, решает вернуться к людям. Но тот ручеек, который он пересекал осенью, весной превратился в бурную полноводную горную реку, вброд ее не перейти, переплыть тоже невозможно... Супер-бродяга возвращается в свой "волшебный автобус", в котором очень скоро и умирает.

В общем, этот фильм определенно я заношу в список Must watch, потому что всем бродягам, и даже таким мелким как я, он снят в назидание. "Счастье имеет смысл, только если его можно разделить с кем-то".





Пшик

P.S.
Этот фильм напоминает беседы дальних родственниц на семейных торжествах: драматичные, понятные и близкие каждому истории, от которых так хочется спать.

Есть мнение, что настоящее искусство должно быть сложным и потому – довольно скучным. Т.е. все, кого ни спроси, обожают классическую музыку и Вергилия, а чтобы расслабиться смотрят комедии-пустышки или читают макулатуру, потому что привыкли внимать с почтением: спина прямая, ноги вместе, в носу не ковырять…

Но те, кто преодолел этот страх в детстве, вдруг обнаруживают, что и великое может быть смешным, увлекательным и понятным. Тот же Триер: «Танцующая темноте» - злая сказка с магией песен, «Догвиль» - кровожадная комедия, по накалу страстей сравнимая с футбольным матчем.

«Меланхолия» - ээ… затянутый видеоклип на музыку Вагнера или реклама резиновых сапог.


«Великолепная игра Кирстен Данст», «отличная режиссерская работа», «потрясающий сценарий» - да ладно! Кто может позволить себе преподнести этот душистый вампук? Кинокритик с театральным образованием, актер с пятеркой по худ.мастерству? И главное – зачем все это «прекрасное» и «восхитительное» нужно, если тоска и резина…

По необъяснимым причинам наша невеста – копирайтер, не сказавший за весь фильм пары толковых фраз, другая замужем за владельцем замка и любителем телескопов, из остальной публики вспоминается только конь с красивой кличкой (что-то там на «а»). Все ни за чем, никаких потому что. Жизнь, страх смерти, конец.

Как известно, скрытый смысл и глубинный подтекст можно выжать из чего угодно: белокурая фроляйн Данст и брюнетка Генсбур (с заметной примесью папиной крови). Голубая планета «Меланхолия» пряталась с другой стороны луны солнца, а теперь несет смерть, красивая, словно младшая сестра Земли. Назидательный Вагнер, заснеженный Брейгель, раскрытые книги, пустеющий дом…

Но зачем?

Зачем уныло роскошная свадьба, подробные силуэты гостей, невеста белым пятном, 18 лунок для гольфа, конец света … Может, это такой новый формат – снимать все подряд, оставляя зрителю самому придумывать смысл? Киноконструктор, раскраска, кроссворд.

Да, во всю эту бессмыслицу веришь. Люди выразительно живые, настоящие: болтают, смеются, чавкают. Вот и все.

Триер снова показывает нас беспощадно и убивает - красиво.




Вообще-то, это – мой любимый режиссер, а я тут нагорячился. Вы ему не говорите – ладно?:)